Playlist « Leur neuvième est leur dernière »

Quand on dit « La Neuvième », on pense spontanément à la neuvième symphonie de Beethoven, qualifiée de « symphonie des symphonies » par les contemporains du compositeur, « d’appel terrifiant au viol » par certaines féministes –si si, c’est véridique…-, de « symbole de l’oppression culturelle occidentale » par des partisans de la « gauche éveillée » –encore véridique-, mais aussi hymne européen, qui servit de support à l’intronisation de deux présidents de la République française –François Mitterrand pour son entrée au Panthéon en 1981, une rose à la main, et Emmanuel Macron lors de sa déambulation vers le Louvre en mai 2017-.
Pour beaucoup de musiciens qui suivirent, ce chiffre 9 constitue une barrière mythique : la plupart se sont arrêtés avant de l’atteindre et peu se sont aventurés à aller au-delà de cette frontière.Et, cependant, cette symphonie, la dernière de son auteur, n’est pas présente dans la playlist de ce jour. Pour autant, chaque neuvième symphonie de ladite playlist est la dernière de chacun de ses compositeurs respectifs ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• Franz Schubert – Symphonie n°9 « La Grande » – OP Berlin, Karl Böhm – 1963 ***
Composée en 1825, jamais jouée de son vivant –ses contemporains la trouvaient « longue et pompeuse »-, créée par Mendelssohn en 1839 dans une version écourtée, elle présente ce que Schumann appelait « des divines longueurs », que je trouve pour ma part longues et répétitives : je l’écoute très rarement en réalité.
• Anton Bruckner – Symphonie n°9 – OP Berlin, Herbert Von Karajan – 1976 *****
Cette symphonie « dédiée au Bon Dieu » par son compositeur, bigot notoire, est en trois mouvements, le quatrième étant resté inachevé. Sa composition, entamée en 1887, s’étale sur au moins quatre ans. Je ne connais pas de meilleure version de cette symphonie –présente en grande quantité dans ma discothèque : une vingtaine de versions…– que celle écoutée ce jour, d’une puissance électrisante et d’une beauté sonore confondante –la plénitude des cuivres est miraculeuse-.
• Antonín Dvořák – Symphonie n°9 « Du Nouveau Monde » – OP Berlin, Ferenc Fricsay – 1960 *****
Cette neuvième symphonie, écrite en 1893 après un séjour du compositeur tchèque aux États-Unis, est hyper-populaire –sans doute autant que celle de Beethoven– et d’un accès très facile. Le second enregistrement de cette oeuvre par de Ferenc Fricsay, peu de temps avant sa disparition, est justement célèbre depuis sa première parution, le second mouvement est particulièrement émouvant dans cette version.
• Gustav Mahler – Symphonie n°9 – OS Chicago – Carlo Maria Giulini – 1976 ****
Achevée en 1910, c’est la dernière symphonie de Mahler, qu’il n’entendit jamais de son vivant, puisqu’elle fut créée en 1912 seulement, un an après le décès du compositeur. Oeuvre d’une grande intensité émotionnelle, elle s’achève sereinement par un mouvement lent, comme celle de Bruckner. La version de ce jour est considérée par certains musicographes comme une référence, mais j’en préfère plusieurs autres personnellement.

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Dimanche à l’opéra – Aïda, de Giuseppe Verdi

Ma séance lyrique dominicale est à nouveau consacrée aujourd’hui à un opéra italien, en lien avec les notules précédentes liées au legs viennois pour la firme de Decca d’Herbert Von Karajan. -Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
Aïda est un opéra en quatre actes composé par Giuseppe Verdi sur un livret d’Antonio Ghislanzoni, basé sur un scénario de l’égyptologue français Auguste Mariette –oui oui, celui de Boulogne-Sur-Mer, dont je vous ai déjà un peu parlé lors de mes vacances estivales-. Celui-ci fut par ailleurs régulièrement consulté pour apporter une touche de réalisme historique à cette fresque antique, notamment pour les détails de mise en scène lors de la création mondiale de l’ouvre, au Caire, en 1871.

L’histoire se déroule dans l’Égypte ancienne, sur fond de guerre avec l’Ethiopie, et met en scène un triangle amoureux tragique entre Radamès, un capitaine égyptien, Aïda, une princesse éthiopienne fille du roi Amonasro réduite en esclavage au service d’Amneris, la fille du Pharaon, qui est également amoureuse de Radamès.
Au premier acte, Radamès apprend qu’il sera le commandant des armées égyptiennes contre les Éthiopiens. Il rêve de gloire et de victoire, espérant ainsi gagner la main d’Aïda, dont il est secrètement amoureux. Amneris, qui soupçonne les sentiments de Radamès pour Aïda, est jalouse mais cache ses émotions.
Au deuxième acte, les Égyptiens célèbrent leur victoire sur les Éthiopiens. Aïda est déchirée entre son amour pour Radamès et sa loyauté envers son peuple. Son père, Amonasro, le roi d’Éthiopie, est capturé et amené en Égypte. Il manipule Aïda pour qu’elle découvre les plans militaires égyptiens afin de libérer leur peuple.
Au troisième acte, Radamès, tiraillé entre son devoir et son amour, révèle à Aïda le chemin que prendra l’armée égyptienne. Amonasro, caché, entend la conversation et se réjouit de cette trahison qui pourrait sauver son peuple. Cependant, Amneris, toujours jalouse, surprend leur conversation et dénonce Radamès comme traître.
Au quatrième acte, Radamès est jugé et condamné à être enterré vivant. Amneris, désespérée, tente de le sauver en renonçant à son amour, mais Radamès préfère la mort à la trahison de son honneur. Aïda, secrètement, se cache dans la tombe pour mourir avec Radamès, scellant ainsi leur amour éternel dans la mort.

Aïda est l’un des opéras les plus célèbres de Verdi, notamment pour son intensité dramatique. Le compositeur italien utilise un orchestre important et fit même fabriquer six « trompettes égyptiennes » pour apporter une touche exotique –revue et corrigée selon le XIXè siècle…– à sa partition. Verdi utilise également ponctuellement des motifs récurrents associés à des personages ou des idées –thème de la fatalité par exemple-, mais cette utilisation reste beaucoup moins développé que l’usage du « Leitmotiv » chez Wagner. Les choeurs sont imposants et la « Marche Triomphale » les mobilise de puissamment.

La première version de Karajan, enregistrée en 1959 avec l’orchestre philharmonique de Vienne, reste considérée, aujourd’hui encore, comme l’une des plus réussies de la discographie très abondante de l’oeuvre. Elle donne à entendre le gratin des chanteurs de l’époque –Renata Tebaldi, Carlo Bergonzi, Giuletta Simionato…-, tous portés par le chef qui insuffle à la partition un souffle puissant et monumental, malgré des tempi plutôt lents.
Le producteur John Culshaw, fidèle à son habitude, mobilise tous les effets possibles et imaginables pour apporter apporter une touche de réalisme et de spectaculaire dans le cadre d’une écoute stéréophonique au disque : effet ping-pong, profondeur factice, gamme dynamique artificielle…
Dans ma discothèque figurent trois autre versions : la seconde de Karajan, enregistrée pour EMI en 1980, à la prise de son aussi artificielle, mais selon d’autres critères, avec de jeunes chanteurs que le chef appréciait et dirigea très régulièrement ; la version –tonitruante à mon goût– de Georg Solti, avec un excellent plateau vocal, grande concurrente de celle écoutée ce jour, également chez Decca ; enfin, la version de Jonel Perlea, enregistrée à Rome en 1955 pour RCA, et réunissant un plateau somptueux également : cette version marqua son époque.

Pour autant, malgré cette présence « abondante », Aida n’est pas une oeuvre que j’écoute très souvent : à très petite dose, c’est supportable, mais le monde de l’opéra italien me reste assez étranger en général !

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Playlist « Karajan, l’héritage Decca »

Non content d’avoir signé deux contrats d’exclusivité –sic…– avec les labels EMI et Deutsche Grammophon dans les années 50, Karajan enregistra également, au tournant des années 60, pour Decca, avec l’orchestre philharmonique de Vienne, lequel orchestre était alors sous contrat avec cette firme, qui exportait également aux USA sous label RCA –sic encore…-, label sous lequel parurent en priorité certains des enregistrements, destinés prioritairement au marché américain, réalisés alors. Pas exactement facile de s’y retrouver dans ces méandres discographiques !
C’est parmi ces enregistrements viennois que j’ai concocté la playlist de ce jour. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• Wolfgang Amadeus Mozart – Symphonies 40 – Mars 1959 ***** • Symphonie 41 « Jupiter » – Avril 1963 ***
Sans doute les meilleures réussites du chef dans des symphonies de Mozart : beauté du chant et des sonorités, souplesse des lignes. La symphonie n°40, notamment, est baignée d’une douce lumière dans le mouvement lent : c’est vraiment très beau ! Mon appréciation pour la « Jupiter » est tributaire du peu d’engouement que je porte pour cette oeuvre… A l’origine, chacune des symphonies de Mozart était couplée avec une symphonie de Haydn –les n°103 et 104, que j’écoute rarement, et louées comme de remarquables versions par le grand spécialiste H.C. Robbins Landon, éminent spécialiste du compositeur-, la jaquette ci-dessus est celle d’une réédition française plus tardive.

• Richard Strauss – Also Sprach Zarathustra – Mars 1959 *****
Une remarquable version, superbement enregistrée, qui servit de bande-son au film « 2001 : L’odyssée de l’espace », de Stanley Kubrick, qui utilisa cet enregistrement subrepticement parce que la MGM n’en possédait pas les droits, « secret » qui fut éventé bien plus tard ! A cette date, l’orchestre de Vienne a trouvé la splendeur qu’il avait quelque peu perdu à la fin de la seconde guerre mondiale et s’impose comme l’un des tout meilleurs orchestre au monde.


• Gustav Holst – The Planets – Septembre 1961 ****
La première version de Karajan est très célèbre, et bénéficie d’une prise de son somptueuse pour l’époque. Elle est globalement très bien, mais assez peu idiomatique si l’on se réfère aux enregistrements du spécialiste de cette ouvre qu’est Sir Adrian Boult. A mes oreilles cependant, le fameux « Big tune » de «Jupiter» manque singulièrement d’ «anglitude» ; a contrario, « Mars » est martial à souhait, comme il se doit !

• Piotr Tchaïkovsky – Casse-noisette, suite de ballet – Septembre 1961 *****
• Edvard Grieg – Peer Gynt, suite 1 et extrait suite 2 – Septembre 1961 *****
• Johann Strauss II, Josef Strauss – Ouvertures, valses et polkas – Avril 1959 ***** -Cliquer sur l’imagette de gauche pour la voir en plus grand-.
Dans ces pages plus légères qu’il aimait ne pas dédaigner, le chef autrichien a toujours excellé tout au long de sa carrière, comme en attestent les nombreux enregistrements qu’il en réalisa –au moins trois fois pour les ballets de Tchaïkovsky et le Peer Gynt de Grieg, et il enregistra bien plus souvent encore des pièces de la famille Strauss-.

Concernant les dernières citées, les versions qu’il y donna à Vienne –pour EMI dans les années 40, pour Decca au sein de cette playlist et, enfin, à l’occasion du festival de Salzburg en 1968 ou du Nouvel An 1987 à Vienne pour Deutsche Grammophon– sont à mes oreilles supérieures à celles, innombrables, qu’il enregistra à Berlin.

Tous ces enregistrements ont été produits par le mythique John Culshaw, producteur du « Ring » légendaire de Solti pour Decca, et homme d’un caractère notoirement difficile qui s’entendit pourtant  remarquablement avec le chef autrichien : ils partageaient tous deux les mêmes passion pour la vitesse et le pilotage de bolides…

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Playlist « Dans un jardin anglais »

J’écoute depuis deux jours l’intégrale des symphonies de Charles-Villiers Stanford –notice biographique assez détaillée à lire ici– compositeur irlandais ayant vécu et étudié à Londres, aussi prolifique que presque totalement méconnu, et qui m’avait valu d’heureuses retrouvailles que je vous narrais ici ! –Cliquer sur les images pour les voir en plus grand-.


L’intégrale des symphonies de Stanford est présente dans ma discothèque depuis longtemps –ie : à peu près depuis la parution de ces disques, qui coûtaient un bras à leur sortie, et que j’achetais un à un au tournant des années 90-.
Ses symphonies sont inégales, très agréables à l’écoute mais assez peu marquantes et vite oubliées en définitive, malgré des qualités mélodiques certaines et des orchestrations aux belles couleurs. Un mélange de Mendelssohn pour l’aisance mélodique, mâtiné, pour le côté un peu ennuyeux, de Brahms et de Dvorák ! En revanche, on ne perçoit étonnamment qu’assez peu l’influence d’une « anglitude victorienne ou edwardienne » chez ce contemporain d’Edward Elgar ? Est-ce parce qu’il était irlandais de naissance ?

En définitive, les pièces les plus intéressantes, à mes oreilles, sont les Irish Rapsody » qui complètent les albums, où le compositeur peut exprimer tout son talent dans un cadre moins formel : la cinquième, notamment, est un petit bijou !
Très belles interprétations de l’ensemble de ces oeuvres au demeurant, par un grand chef anglais très discret, Vernon Handley, et excellentes notices –on savait encore faire de beaux livrets de CD en temps-là…-, ainsi que très bonnes prises de son. L’ensemble a été réédité et reste disponible à prix moyen : l’intégrale des symphonies dans un coffret de 4 CD, et, tiré à part, un album consacré aux quatre rhapsodies.

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Un dimanche dans la campagne anglaise

Mes pérégrinations dominicales, à défaut de me guider vers l’opéra, me conduisent ce matin dans la campagne anglaise de l’époque edwardiennecette « Belle-Époque » d’Outre-Manche-, avec cette très belle playlist consacrée aux oeuvres orchestrales les plus célèbres d’Edward Elgar –notice biographique relativement détaillée à lire ici-, magnifiquement interprétées par d’excellents orchestres anglais, sous la direction d’un chef américain, Leonard Slatkin, rejeton d’une famille de musiciens et désormais octogénaire, mais qui a commencé sa carrière de chef d’orchestre très jeune à Saint-Louis –USA– et est passé, notamment, par Londres et Lyon –de 2011 à 2020, il contribua très largement au rayonnement de l’orchestre de la ville-.

Leonard Slatkin connut une carrière discographique très intense tout au long des années 80 et 90, sur le label américain RCA, dont la branche « Red Seal = musique classique » a été rachetée par Sony. Les enregistrements du jour font partie d’une série consacrée au musicien anglais, réalisée à la fin des années 80 et durant les années 90, bénéficiant d’excellentes conditions techniques. Ces très bonnes prises de son sont encore magnifiées par le remastering de cette réédition sous étiquette Sony, en 2013, dans un petit coffret de 4 CD, sorti à prix très réduit –mais à la ligne éditoriale aussi réduite que son prix, comme pour toutes les rééditions de cette collection…-, et qui, vérification faite, reste encore disponible à un prix très raisonnable à l’heure actuelle –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

On retrouve donc, dans cette playlist dominicale –cliquer sur l’image pour voir en plus grand les belles jaquettes d’origine et profiter, vous aussi, de la campagne anglaise !– :


• la symphonie n°1 – OP Londres – 1991 ****
Symphonie composée en 1907, après une longue maturation de dix ans, et dont le thème majestueux du premier mouvement est assez connu, puisqu’il servit d’illustration sonore au film « Greystoke : la légende de Tarzan ». L’oeuvre connut un vif succès et fut interprétée pas moins d’une centaine de fois l’année de sa création. La version de Slatkin, en 52 minutes, semble être celle du juste milieu, très proche des indications de la partition : Elgar lui-même a enregistré l’oeuvre en 1931 et cravache son orchestre en 47 minutes –mais j’aime beaucoup, malgré un son un peu difficile-, quand la version de Giuseppe Sinopoli, qui tire adroitement Elgar vers Mahler, dure un peu plus d’une heure –mais j’aime beaucoup aussi !-.

• la symphonie n°2 – OP Londres – 1993 ***
Achevée en 1911 bien que partiellement ébauchée à l’état d’esquisses au moins dix ans plus tôt, cette symphonie est dédiée à la mémoire du roi Edward VII, décédé une année auparavant. Cette seconde symphonie connu un moindre succès que sa première symphonie, –ainsi, Elgar traita son public de « cochons repus » devant le peu d’enthousiasme lors de sa création-, tant du vivant de son compositeur que pour la postérité, en dépit de quelques passages champêtres fort beaux et d’un second mouvement émouvant et recueilli. Léonard Slatkin s’interdit tout alanguissement, et c’est très bien ainsi !

• le concerto pour violoncelle – Janos Starker, Philharmonia Orchestra – 1997 ****
Le concerto pour violoncelle est une oeuvre plus tardive, composée après la première guerre mondiale et achevée en 1919. Il est très populaire et facile d’accès et constitue, à mes oreilles, l’un des plus beaux concertos pour violoncelle du répertoire : à ce titre, il est plutôt bien représenté dans ma discothèque. La version de Janos Starker et Leonard Slatkin est très belle, peine de noblesse et beaucoup moins passionnée –mais non moins pertinente– que celle de Jacqueline du Pré et Barbirolli dans leur mythique disque enregistré en 1965.

• les « Variations Enigma » – 1989 ****
Ces portraits musicaux en forme de variations pour orchestre, achevées en 1899, sont l’une des oeuvres les mieux représentées dans ma discothèque, avec pas moins d’une vingtaine de versions différentes –cf. ici et pour en savoir plus-. L’oeuvre est très populaire et très facile d’accès, c’est la composition d’Elgar la plus célèbre avec sa « Pompe et Circonstance n°1 ». Avec celle de Sinopoli, qui présente d’autres équilibres toutefois, la version de Leonard Slatkin est l’une des plus lentes de la discographie –34 minutes-, sans pour autant que l’oeuvre pâtisse du traitement que lui fait subir Leonard Bernstein –38 minutes !!!-. A titre indicatif, Elgar lui-même interprétait ces variations en moins de 30 minutes et son collègue Hamilton Harty en 27 minutes dans un enregistrement de 1932. De nos jours, la durée moyenne d’une interprétation est généralement de 31 à 32 minutes.
La présente version est portée par de très beaux timbres orchestraux, et la variation XII « B.G.N » –portrait de Basil G. Nevinson, violoncelliste ami d’Elgar qui inspira le concerto pour violoncelle– est somptueuse à cet égard.

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Dimanche à l’opéra – Lohengrin, de Richard Wagner

Cette séance lyrique dominicale est consacrée à un opéra que j’ai mis assez longtemps à apprécier à sa juste valeur, mais que j’écoute désormais avec un plaisir toujours renouvelé : Lohengrin, de Richard Wagner. La version écoutée aujourd’hui est celle d’Herbert Von Karajan, enregistrée entre 1975 et 1981. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

L’histoire se déroule au Xe siècle à Anvers, où le roi Henri l’Oiseleur veut lever des troupes pour chasser les Hongrois de l’est de son royaume de Francie Orientale. Elsa de Brabant est accusée d’avoir fait disparaître son frère, le jeune duc Gottfried. Le comte Friedrich von Telramund et sa femme Ortrud, désireux de s’emparer du trône, accusent Elsa devant le roi Heinrich l’Oiseleur. Pour prouver son innocence, Elsa évoque un rêve où un chevalier viendrait la sauver. À l’appel du roi, un chevalier inconnu, accompagné d’un cygne, apparaît et propose de défendre Elsa à la condition qu’elle ne lui demande jamais son nom ni son origine. Il triomphe de Telramund en combat judiciaire et épouse Elsa.
Cependant, Ortrud instille le doute dans l’esprit d’Elsa, qui finit par poser la question interdite durant la nuit de noces. Contraint de révéler son identité, le chevalier se présente comme Lohengrin, fils du roi du Graal, Parsifal. Son secret dévoilé, il ne peut plus rester parmi les hommes et doit repartir. Avant de partir, il révèle que le cygne est en réalité Gottfried, transformé par la magie d’Ortrud. Lohengrin redonne son apparence au jeune duc, puis disparaît, laissant Elsa désespérée.

Wagner conçoit Lohengrin entre 1845 et 1848, une période marquée par son engagement révolutionnaire et son intérêt pour les mythes germaniques. Il s’inspire du « Parzival » de Wolfram von Eschenbach, des traditions arthuriennes et de la mythologie du Graal –notamment de la « Geste des Lorrains »– ainsi que de « Le Roman du Chevalier au Cygne« .
La légende du Chevalier au Cygne trouve ses racines dans la littérature médiévale et appartient à la famille des récits merveilleux associés aux cycles arthuriens et carolingiens. Son origine exacte reste floue, mais plusieurs versions circulent en Europe dès le XIIᵉ siècle. On retrouve des récits similaires dans des textes comme :
le Roman du Chevalier au Cygne (XIIᵉ siècle), qui introduit le personnage sous le nom de Hélias ;
le mythe du « Loherenc Garin », ou Garin le Lorrain, dont le nom de Lohengrin dérive directement, dans la « Geste des Lorrains » ;
les légendes des ducs de Brabant, qui prétendaient descendre du chevalier au cygne, lui attribuant une origine noble et sacrée, à travers la figure de Godefroy de Bouillon –oui oui, celui des Croisades-, marquis d’Anvers avant de devenir avoué du Saint-Sépulcre et de fonder le royaume de Jérusalem.

Dans son livret en trois actes, Wagner fait un méli-mélo de l’ensemble de ces sources, au mépris des réalités historiques ou géographiques. Ainsi, le duché de Brabant, dont la création n’est effective qu’à compter de 1106, n’existait pas à l’époque d’Henri l’Oiseleur, il faisait partie du duché de Basse-Lotharingie, lui-même intégré au Saint-Empire Romain-Germanique. Par ailleurs, Lohengrin fait un long voyage de Montsalvat –parfois identifié par certains historiens comme étant le château de Montségur, près de la frontière espagnole– jusqu’à Anvers dans une nacelle -ou une barque- tirée par un cygne : un sacré voyage ! –Cliquer sur la carte pour la voir en plus grand : en violet, le royaume de Franconie Orientale-.

Nonobstant ces considérations très terre-à-terre, le livret mobilise de nombreux thèmes et symboles de la littérature médiévale :
le cygne, symbole de noblesse et de pureté régulièrement associé aux récits chevaleresques où il incarne un être supérieur d’origine divine ;
l’interdiction et la transgression : l’élément essentiel de la narration, dans Lohengrin, est le tabou de l’identité : la femme du chevalier ne doit jamais poser la question des origines de celui-ci –Lohengrin est une élu du Graal, et son identité ne peut être dévoilées sans conséquence– ;
en corollaire, l’oeuvre pose la question du dilemme entre la confiance aveugle opposée à la soif de connaissance ;
l’incapacité des humains à conserver un lien avec le sacré et le caractère éphémère du merveilleux.
C’est thèmes et symboles ont parfois été analysés à l’aune de lectures post-freudiennes ou « féministes » pour interroger le comportement de Lohengrin, qui paraît suspect : c’est, à mon avis, oublier que dans la littérature médiévale, amour et loyauté sont étroitement liés, et que la transgression est toujours punie : ici, Elsa échoue à respecter son serment, ce qui entraîne la séparation et le départ de Lohengrin.

Lohengrin marque une transition entre le style opératique traditionnel et le drame musical wagnérien. L’œuvre se distingue par une orchestration subtile et riche ainsi que par l’utilisation du leitmotiv, qui préfigure le style des opéras postérieurs de Wagner. L’harmonie évolutive préfigure «Tristan und Isolde», postérieur d’une dizaine d’années. Le prélude du premier acte est d’une beauté céleste et la marche nuptiale est une pièce presqu’aussi célèbre que celle de Mendelssohn.

La version de ce jour a été enregistrée en deux sessions : entamée en décembre 1975, elle n’a été achevée qu’en mai 1981, notamment du fait d’une brouille entre Herbert Von Karajan et René Kollo, son ex-protégé, parti fâché à la fin de la première session après avoir déclaré : «Il y a plus de 500 chefs d’orchestre en Allemagne qui peuvent diriger Lohengrin, mais seulement 5 ténors qui peuvent le chanter».Après leur réconciliation, quelques années plus tard, l’enregistrement a finalement été terminé. Par ailleurs, il s’agit de la période durant laquelle Karajan a subi plusieurs interventions chirurgicales du dos. Enfin, toutes les scènes d’Ortrud ont du être réenregistrées, la cantatrice initialement retenue par Karajan, Ursula Schroeder-Feinen, ayant perdu sa voix au début des années 80 –on peut l’entendre dans les versions enregistrées lors des représentations du festival de Salzbourg, en 1976-. C’est donc Dunja Vejzovic qui interprète le rôle sur les disques.

Malgré ces difficultés, il s’agit d’une version qui reste très agréable : les chanteurs sont tous au moins adéquats, et certains sont vraiment très bons, comme le roi Henri de Karl Ridderbusch et les «méchants» –l’Ortrud de Dunja Vejzovic et le Telramund de Siegmund Nimsgern-. René Kollo –Lohengrin, cliquer sur l’image pour la voir en plus grand– est plus à son aise dans les parties enregistrées en 1975-1976 que dans celles plus tardives et l’Elsa d’Anna Tomowa-Sintow est chaleureuse, mais sa voix me semble un peu «charnue» pour le rôle. L’orchestre et les choeurs sont remarquables.
La prise de son analogique est très bonne mais pour en profiter pleinement, il est indispensable d’entendre cette version dans le remastering effectué en 1997 : les masters de l’édition LP et de la première édition en CD souffraient de graves déséquilibres qui ont été largement corrigés dans l’édition plus tardive –cliquer imagette de droite pour la voir en plus grand-.

Pour mémoire, mes versions préférées sont relativement anciennes : Joseph Keilberth en 1953 à Bayreuth et Wilhelm Schüchter –aussi surprenant que cela puisse paraître– en studio à Hambourg, en 1953. Ces versions donnent notamment à entendre, excellemment entourées, les deux plus grandes Ortrud de la discographie : Astrid Varnay, absolument géniales dans un rôle qu’elle confisqua, et Margarete Klose. Elles bénéficient en outre de conditions techniques qui restent tout-à-fait convenables plus de 70 ans après leur parution.

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Playlist du Grand Nord. 3 : Finlande

Dernière escapade dans le Grand Nord avec cette playlist constituée de musique symphonique écrite sous la plume de compositeurs finlandais. (Ici, une petite incise géographique s’impose : cette série n’est pas intitulée « Playlist scandinave » pour la raison que , stricto sensu, la Finlande ne fait pas partie des pays scandinaves, a contrario du Danemark, de la Norvège et de la Suède, qui sont les trois seuls pays qui forment la Scandinavie. Par ailleurs, culturellement, elle ne partage ni la même mythologie, ni les mêmes origines linguistiques).Cliquer sur l’image et sur les imagettes-portraits pour les voir en plus grand-.

• Leevi Madetoja1887-1947– est un compositeur influencé par le nationalisme finlandais, et ne dérogeant pas outre mesure à la tradition romantique tardive. Il reçut quelques leçons privée de Sibelius et partagea avec lui un fort attrait pour la dive bouteille, avant qu’il ne s’auto-proclama son rival.
Ses trois symphonies sont parmi ses œuvres les plus importantes, et sa deuxième symphonie, composée en 1918, est celle qui a connu le plus grand succès ; elle était d’ailleurs admirée par son ancien professeur. Ecrite durant la sanglante guerre civile finlandaise –à lire ici et pour comprendre cet épisode important de l’histoire européenne, plutôt méconnu dans nos contrées-, c’est une oeuvre plutôt introspective, plus proche, à mes oreilles, par son caractère mélancolique et sa charge émotionnelle, des première et quatrième symphonies de Mahler que des symphonies de Sibelius. Le langage harmonique audacieux reflète les bouleversements engendrés par la guerre civile. En revanche, contrairement à son illustre contemporain, Madetoja utilise assez peu d’éléments du folklore finlandais ou de la mythologie du Kalevala dans ses symphonies ou ses oeuvres symphoniques -utilisation parcimonieuse dans la première symphonie seulement, ainsi que dans la suite symphonique « Les Ostrobotniens » ou dans l’ouverture Kullervo-.

• Einojuhani Rautavaara1928-2016– écrivit huit symphonies, composées entre 1956 et 1999. Elles reflètent une diversité d’influences et une recherche constante de nouveaux langages musicaux. Rautavaara s’inscrit dans la tradition musicale nordique, où la nature et la spiritualité jouent un rôle clé. Il ne se limite pas à un style ou une école et combine des éléments de modernisme, de romantisme, et même d’atonalité. Cet éclectisme reflète son intérêt pour les contrastes entre tradition et innovation. Ses symphonies dégagent souvent une atmosphère mystique, traduite par des textures orchestrales riches et des harmonies audacieuses. Elles mettent en avant des combinaisons instrumentales originales, des masses sonores imposantes et des passages d’une délicatesse presque impressionniste. Il s’inspire également du romantisme tardif, avec des élans lyriques et des climats émotionnels intenses. Le traitement de l’orchestre est souvent panoramique, créant des espaces sonores vastes et immersifs. Rautavaara partage avec Sibelius une fascination pour la nature, qui se traduit dans des évocations de paysages sonores vastes et des atmosphères nordiques.
Ses dernières symphonies sont souvent plus méditatives et tonales, marquées par des textures complexes mais lisibles. La symphonie n°5 (1986) est tout-à-fait remarquable pour son écriture orchestrale dense et ses climats dramatiques. La symphonie n°7 « Angel of Light » (1994), très méditative, évoque un monde spirituel éthéré.

• Armas Järnefelt1869-1958-, quasi-exact contemporain de Sibelius dont il fut le beau-frère, a commencé sa carrière de compositeur entre la fin des années 1880 et le début des années 1890 à une période où la musique finlandaise était caractérisée par des aspirations nationalistes –c’est vrai pour de nombreux autres pays européens à la même époque-. Comme la plupart des compositeurs finlandais de l’époque, Järnefelt a été influencé par Sibelius, mais ses influences les plus profondes sont à chercher chez Wagner d’abord et avant tout, puis chez Tchaïkovsky et, dans ses premières productions, dans la musique française –il étudia à Paris avec Massenet comme professeur-.
Dès les début du vingtième siècle, Järnefelt délaissa la composition d’oeuvre symphoniques, trop accaparé par sont travail de chef d’orchestre, et sa cantonna essentiellement à l’écriture de lieder. L’album de ce jour comporte son oeuvre symphonique la plus connue -« Berceuse« – et deux pièces un peu plus conséquentes : la Fantaisie symphonique, d’influence wagnérienne certaine, et la Suite pour orchestre en mi bémol majeur, composée lorsqu’il était étudiant à Paris. Au-delà de l’attrait de la découverte, c’est l’album le plus anecdotique, mais toujours agréable, de ce triptyque par ailleurs passionnant.

Cerise sur le gâteau, les trois albums du jour bénéficient tous d’excellentes interprétations et de conditions techniques de premier ordre : ce périple musical à travers le grand Nord s’achève de fort belle manière !

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Playlist du Grand Nord. 2 : Suède

La playlist de ce jour, deuxième de cette série consacrée à des oeuvres symphonique venues du grand Nord, est consacrée à trois compositeurs suédois, qui sont sans doute les plus représentatifs du genre, à défaut d’être très connus du grand public, voire des « mélomanes du quotidien », sans que ce terme soit aucunement péjoratif. –Cliquer sur l’image et les imagettes des portraits pour les voir en plus grand-.

• Franz Berwald1796-1868– était un compositeur suédois dont les symphonies sont contemporaines de celles de Mendelssohn ou de Schumann, soit le milieu du XIXème siècle. Elles sont donc d’essence essentiellement romantique et restent de structure fondamentalement classique, comportant peu d’éléments du folklore suédois. La symphonie n°2 –« Symphonie capricieuse »– propose cependant une instrumentation colorée et la symphonie n°4 –« Symphonie naïve »– donne à entendre des thèmes pastoraux agréables, mais l’ensemble du corpus me semble moins intéressant, en définitive, que les corpus symphoniques de ses plus illustres contemporains. La discographie des symphonies de Berwald est assez pauvre, et c’est encore Neeme Järvi qui le révéla à un public un peu plus large au début des années 80.

Une décennie plus tard, le même Neeme Järvi enregistrait l’intégrale des symphonies d’Hugo Alfvén pour le BIS, dans des prises de son somptueuses typiques du label. Pour le coup, ce compositeur m’était connu depuis les années 80 –Hugo Alfvén -1872-1960- est l’un des principaux compositeurs suédois du romantisme tardif et du début du XXème siècle-, parce que mon oncle immense collectionneur de disque m’avait demandé de lui ramener de Suède, où je périplais pour mes vacances à travers la Scandinavie, tout ce qu’il était possible de lui dénicher de ce compositeur, dont rien n’était alors disponible en France, et si peu en Allemagne. J’avais ainsi effectué une assez maigre cueillette –moins d’une dizaine de LP dans mon souvenir– chez un disquaire de Göteborg tout étonné de voir un adulescent chevelu lui faire part de cette demande.
Les symphonies d’Alfvén sont contemporaines de celles de Sibelius et s’inscrivent dans un romantisme tardif incorporant quelques éléments du folklore populaire suédois. La texture orchestrale est riche et dense, les mélodies sont marquées par un fort lyrisme. Comme son illustre contemporain finlandais, Alfvén sait très bien évoquer les vastes paysages nordiques. Sa quatrième symphonie -« Aux confins de l’archipel »-, à l’écoute ce jour, est vraiment intéressante : elle est très programmatique et utilise une structure peu conventionnelle –un seul mouvement organisé en quatre épisodes-, avec des éléments vocaux. Vous en trouverez une description détaillée ici.

• Kurt Atterberg1887–1974– est l’autre grand symphoniste suédois du XXème siècle, quasi-contemporain d’Hugo Alfvén et encore moins connu que lui, tout au moins jusqu’à récemment. Il composa neuf symphonies, qui ont connu deux enregistrements intégraux chez de « petits » labels indépendants –Naxos et CPO– friands de parutions rares et souvent inédites et dont je me suis toujours demandé comment ils pouvaient survivre sur ce seul marché de niche, d’autant qu’ils éditent leurs disques à des tarifs très doux dès leur sortie, dans des conditions techniques généralement très convenables.
Les symphonies d’Atterberg s’inscrivent dans une veine post-romantique et sont régulièrement influencées par le folklore suédois : les symphonies n°4 et 8, écoutées ce jour, sont ainsi chacune fondées sur des mélodies populaires suédoises. Le style d’Atterberg reste toujours accessible et plaisant, très lyrique et loin des expérimentations ou des recherches avant-gardistes de nombre de ses contemporains.

Au final, et nonobstant la petite déception concernant les symphonies de Franz Berwald, une très belle playlist à travers la Suède !

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Playlist du Grand Nord. 1 : Danemark et Norvège

J’entame aujourd’hui une courte série de musique symphonique en provenance des pays nordiques –cliquer sur la carte pour la voir en plus grand– : Danemark, Finlande, Suède et Norvège –pour l’Islande, il faudra repasser, je n’ai rien dans ma discothèque à ce jour-.

Cette série, par ailleurs, ne comprendra aucun album de Sibelius, très bien représenté dans ma discothèque et que j’écoute abondamment par ailleurs.
La playlist de ce jour est consacrée à des compositeurs danois et norvégiens –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Danemark
Les symphonies de Carl Nielsen sont riches en intensité narrative dramatique et tout-à-fait originales en s’éloignant des conventions de la symphonie romantique traditionnelle. La symphonie n°5 –1922– ne comporte que deux mouvements et exprime le combat entre l’ordre et le chaos. Pour sa symphonie n°6 « Sinfonia semplice » –1925-, Nielsen a voulu rechercher une simplicité maximale, la partition étant fondée sur le caractère de chaque instrument traité comme des individualités indépendantes. Ces deux symphonies sont brillamment interprétées par Neeme Järvi, remarquable défricheur et interprète de musique des pays nordiques durant toute sa carrière.

• Per Nørgård s’inspire régulièrement de la nature et de concepts métaphysiques pour construire ses symphonies, en exploitant une orchestration fouillée et complexe et des texture denses, où des lignes mélodiques indépendantes se superposent et où des contrastes parfois extrêmes sont présents –notamment dans la sixième symphonie-. L’album du jour bénéficie d’une prise de son exceptionnelle, à la hauteur de la complexité et des contrastes dynamiques des symphonies.

Norvège
Il est évidemment inutile de présenter Edvard Grieg, compositeur norvégien très célèbre, ici dans son oeuvre la plus connue et très populaire, Peer Gynt. L’enregistrement ancien de Beecham est tout-à-fait correct.

En revanche, Geirr Tveitt est un quasi-inconnu, qui connut de plus un destin assez tragique, puisque la majeure partie de son oeuvre fut détruite dans un incendie. Il est d’autant plus oublié de nos jours qu’il fut un représentant du courant artistique nationaliste norvégien, basé sur la mythologie nordique en opposition au christianisme, courant qui fut fortement remis en cause après la seconde guerre mondiale. Une grande partie de son oeuvre est inspirée du folklore norvégien du district de Hardanger, dans l’ouest de la Norvège. Ole Kristian Ruud semble avoir pris le relais de Neeme Järvi dans l’enregistrement d’un répertoire assez rare en provenance des pays scandinaves et bénéficie des prises de son exceptionnelles du label BIS.

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Playlist « Cette année-là » – 2020

Beethoven – Symphonie n°5 – Musica Aeterna- Theodor Currentzis
Bruce Springsteen – Letter To You
Bob Dylan – Rough And Rowdy Ways
Beethoven – Symphonie n°7 – Musica Aeterna- Theodor Currentzis
Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand

Avec cette playlist, la série des « Playlists chronologiques« , entamée arbitrairement avec l’année 1964 –année de la parution du premier album des Rolling Stones– s’achève ! Les plus perspicaces/attentifs auront sans doute noté que j’ai oublié les années 1969, 1974, 1975 et 2004 : où donc avais-je la tête ?

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