C’est déjà le dernier week-end de l’Avent : normalement, les préparatifs du Réveillon sont en cours, son menu festif est élaboré et votre sapin est désormais complètement décoré –il serait temps– et vous n’avez plus qu’à déposer cette surprise à son pied ! Les plus impatients peuvent également en profiter immédiatement : le menu, de qualité, est dense –et partiellement en lien avec une petite notule en préparation, à paraître demain !-. Elle vous attend ici.
NB – Pour les retardataires, les quatre surprises de l’Avent restent encore sur le serveur et disparaîtront après la Saint-Étienne. Vous reporter aux notules correspondantes pour en obtenir les liens d’accès…
Karajan, Kleiber –père et fils–, Krauss… mais aussi Otto Klemperer, ce géant –physiquement– austère, qui est la star de cette playlist contrastée et propre aux controverses : il s’agit d’un chef dont les enregistrements, en France, font parler les mélomanes depuis leur parution, que ce soit pour les vilipender ou pour les glorifier !
Né en 1885, Otto Klemperer, élève de Gustav Mahler, entama sa carrière en tant que chef d’opéra –Hambourg, Strasbourg puis le Kroll Opera de Berlin– sous le signe de la « Neue Sachlchgkeit » –Nouvelle Objectivité, courant artistique éphémère né après la première guerre mondiale– et contribua à la découverte des opéras de Stravinsky, Hndemith ou encore Krenek. Très tôt parti en exil à l’arrivée au pouvoir des nazis, il débarqua à Los Angeles pour prendre les rênes de l’orchestre de la ville –un orchestre alors de second rang, aux finances aléatoires-.
Atteint d’une tumeur au cerveau en 1939, l’opération qu’il subit le laisse à demi-paralysé du côté droit et détériore sévèrement un tempérament qui n’était déjà pas très facile : bougon, autoritaire et quelque peu caractériel –on dirait aujourd’hui « bi-polaire »-.. Après la guerre et une longue convalescence, il rentra en Europe, où commença sa « seconde carrière », souvent décrit comme son « été indien » : après un bref passage par l’opéra de Budapest, Otto Klemperer s’installa à Londres où Walter Legge, le célèbre producteur, envisageait qu’il prenne la succession de Karajan à la tête du Philharmonia, très largement considéré comme la « Rolls Royce des orchestres britanniques » de l’époque et l’un des tout meilleurs d’Europe.
Ainsi, à partir de 1954 et jusqu’à sa mort en 1973, il enregistra avec cet orchestre une très grande partie du « grand » répertoire classique pour le label EMI. : Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Bruckner, Mahler… En Angleterre, il était réputé pour être « l’interprète le plus autorisé du répertoire central austro-allemand depuis le décès de Toscanini et de Furtwängler ». Ailleurs, ses enregistrements furent d’abord plus controversés, du fait, notamment, de tempi de plus en plus ralentis au fur et à mesure de son avancée en âge, mais ils sont actuellement considérés comme des piliers du catalogue depuis au moins une trentaine d’années, au gré de rééditions très bien remastérisées.
La playlist de ce jour comporte trois enregistrements issus de cet été indien. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
• Wolfgang Amadeus Mozart – Symphonie n°40, KV 550
Philharmonia Orchestra, Otto Klemperer – 1962 ****
Otto Klemperer enregistra un assez large corpus d’oeuvres symphoniques de Mozart, ainsi que certains de ses opéras –sa « Flûte enchantée », notamment, sans dialogues, reste dans la mémoire de nombreux discophiles pour sa vision hiératique mais, à mon avis, complètement étrangère à l’esprit du Singspiel-. Très éloigné du style « galant » que l’on prête souvent au compositeur, le Mozart de Klemperer est totalement atypique, puissamment architecturé, chaque pupitre étant soigneusement détouré. Les tempi sont lents sans être lentissimes et sans lourdeur, l’ensemble peut sembler sévère, mais, dans une approche « traditionnelle » –cad. non HIP-, c’est ainsi que j’apprécie Mozart –beaucoup plus, par exemple, que l’intégrale enregistrée à Berlin par Herr Professor Doktor Karl(i) « sac de patates » Böhm, longtemps regardée comme « référence » et qui a plus mal vieilli, en définitive-.
• Ludwig van Beethoven – Symphonie n°3 « Eroica », op.55
Philharmonia Orchestra, Otto Klemperer – 1959 *****
Issue d’une intégrale des symphonies de Beethoven, enregistrée au tournant des années 60 et qui fut longtemps considérée –et le reste encore chez certains critiques musicaux– comme l’une des deux ou trois références de ce corpus, la troisième symphonie s’avère très réussie et c’est, à mes oreilles, la meilleure pièce au sein d’une intégrale qui est, pour moi, assez largement sujette à controverse, du fait de tempi extrêmement lents qui font perdre beaucoup de vitalité à cette musique, dont c’est pourtant une composante essentielle –la cinquième ou la septième, par exemple, sont non seulement hyper-lente, mais certains équilibres orchestraux s’avèrent parfois bizarres, cf. vidéo-. Dennis Brain, le fabuleux corniste du Philharmonia Orchestra, révéla dans une interview qu’à partir des années 60, « Klemperer was no more a rythm guy ».
• Anton Bruckner – Symphonie n°4 « Romantique », WAB 104
Philharmonia Orchestra, Otto Klemperer – 1963 ***
Dès le tout début de sa carrière de chef d’orchestre dans les années 20, Otto Klemperer dirigea des symphonies de Bruckner, mais Walter Legge ne considérait pas, en revanche, l’enregistrement des symphonies du compositeur comme une priorité, sauf la huitième symphonie, qui était déjà « chasse gardée » de Karajan pour EMI. Cette quatrième symphonie est interprétée dans sa version dite « 2B, édition Nowak » –Bruckner révisa cette symphonie plus que toute autre, ses nombreuses retouches sont recensées ici-. Contrairement à sa réputation de « chef lent », c’est loin d’être le cas dans cette symphonie. Klemperer en exalte la structure, mais , pour cette édition de la symphonie, je préfère la version beaucoup plus narrative et dynamique de William Steinberg, enregistrée à Pittsburgh pour Capitol en 1956.
La playlist du jour est consacrée à un unique album, l’excellent « Electric Warrior » du groupe T.Rex et de son fondateur, compositeur, guitariste et chanteur Marc Bolan tragiquement décédé à 30 ans –mais sa carrière était déjà presque derrière lui…– dans un accident de voiture en 1977.
La légende dit que le fameux producteur Tony Visconti trouvait que Marc Bolan était si excellent qu’il délaissa David Bowie, dont il était alors procureur producteur, pour se consacrer à T.Rex. « Electrice Warrior », sorti en 1971, est le produit de cette collaboration fructueuse entre le groupe et le producteur, et l’album est l’un des piliers archétypique du Glam-Rock, ce courant très éphémère du début des années 70.
Curieusement, alors qu’il ne fut jamais un virtuose de son instrument, la firme Gibson a pourtant sorti un modèle signature, la Gibson Les Paul Marc Bolan, en acajou massif, que l’on peut s’offrir pour la modique somme de 7056 US$…
Nonobstant ces considérations bassement mercantiles, « Electric Warrior » est un album sans aucun titre faible, qui propose un soft rock saturé très bien enregistré –comme souvent dans les productions de Tony Visconti, la basse très ronde et chaude est mise en avant-. L’énorme ampli de guitare de l’illustration de la pochette est trompeur : le glam-rock, en 1971, n’était pas encore si sonore qu’il le deviendra avec les New York Dolls !
L’album, qui se classa n°1 en Angleterre et connut un succès considérable lors de sa parution, contient par ailleurs un hit majeur, qui tourna énormément sur toutes les radios au début des 70’s –cf. extrait-.
La playlist du jour est consacrée à Georg Friderid Handel, l’un de mes compositeurs préférés –il fait partie de mon top 5-, celui dont Beethoven disait qu’il était « le plus grand et le plus solide compositeur ». S’il n’a jamais souffert, après sa mort, de l’oubli relatif dans lequel tombèrent Bach –prononcer [baR]– ou Vivaldi, il a cependant bénéficié, autant qu’eux, du renouveau des interprétations historiquement informés à partir du milieu des années 70, et qui sont généralisées de nos jours.
Dans les décennies précédentes, Handel fut très souvent enregistré, et, notamment, « Messiah » était joué par des orchestres et des choeurs pléthoriques –plus de 1000 musiciens et choristes pour certaines représentations à la fin du 19ème siècle, par exemple!-, Ses deux plus célèbres pièces orchestrales : la « Royal Fireworks Music », d’une part, et, surtout, la « Water Music », généralement adaptées pour grand orchestre par Hamilton Harty ont également, dès les débuts de l’histoire de l’enregistrement sonore, connu un nombre important de versions discographiques, et notamment en Angleterre-Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
• Wassermusik (Water Music), HWV 348-350
Orchestre philharmonique de Berlin, Fritz Lehmann – 1951 ***
Il s’agit-là de la version « originale » des trois suites, et non de l’arrangement de Harty qui avait généralement cours à cette date. L’orchestre philharmonique de Berlin est encore celui de Furtwängler, il est à peine allégé d’une grande partie de ses contrebasses et accompagné d’un clavecin. Les tempi sont très contrastés, certains demeurent très lents, mais, eu égard à la date d’enregistrement, cette version fait presque figure de devancière des versions HIP. Il s’agit de l’un des tout premiers enregistrements du label Archiv Produktion, branche baroque de la firme Deutsche Grammophon.
• Royal Fireworks Music, HWV 351
Orchestre symphonique de Londres, Georg Szell – 1962 **
Georg Szell livre ici l’arrangement pour grand orchestre d’Hamilton Harty : la musique est très « romantisée »et les tempi sont d’une lenteur exaspérante, exaltant la pompe « So British » de l’oeuvre ! C’est d’autant plus curieux qu’avec son orchestre de Cleveland, Szell était plutôt réputé pour la vivacité de ses tempi et une approche plus cérébrale qu’affective du répertoire romantique. Nonobstant mon appréciation personnelle très mitigée, ce disque d’un orchestre anglais, enregistré par un label anglais, fut fort bien reçu en Angleterre lors de sa sortie.
• Concert grossi op.6 n°5, 10 & 12 HWV 323, 328, 330
Orchestre philharmonique de Berlin, Herbert von Karajan – 1966 ***
Herbert von Karajan enregistra, en quatre disques, l’intégralité des concerti grossi opus 6 de Handel durant les sessions d’été à Saint-Moritz en 1966 et 1967, lorsqu’il réunissait un petit nombre des musiciens de son orchestre pour enregistrer des oeuvres « de chambre ». A la différence de ses enregistrements contemporains de Bach -prononcer [baR]- ceux de Handel restent assez agréables à écouter de nos jours : le baroque « italianisant » lui a toujours beaucoup mieux réussi, et les concerti grossi de Handel sont calqués sur le modèle de ceux de Corelli. A leur sortie, ces disques avaient bénéficié d’un accueil plutôt chaleureux en Angleterre, où la qualité du jeu d’orchestre fut salué.
HWV signifie « Handel-Werke-Verzeichnis ». C’est le catalogue des oeuvres du compositeur, qui n’est pas chronologique, mais établi post-mortem par genre.
En ce troisième dimanche de l’Avent –déjà !-, c’est une très belle et appétissante collection de véritables « collectors » qui vous attend ici ! Superbes témoignages laissés par un duo de choc, dont je vous ai déjà parlé au détour de l’une ou l’autre notule, pour un quinté gagnant !
Avec la mise à jour macOS 26.1 effectuée il y a quelques semaines, certaines opérations, et notamment celles sollicitant le système, sur mon iMac de bureau, étaient ralenties, et sans que je sache pourquoi, mais pas suffisamment cependant pour le rendre inutilisable –encore heureux…– ! Ce ralentissement était par ailleurs notable chez de nombreux autres utilisateurs, si j’en crois les fora consacrés à l’univers de la pomme que je suis parfois. Mon MacBook M2, en revanche, n’était pas concerné par ce ralentissement, mais d’autres utilisateurs possesseurs d’ordinateurs avec processeurs Apple étaient également touchés par ce ralentissement.
Ce matin, la mise à jour vers le système 26.2, disponible depuis quelques heures, semble avoir résolu ce problème et j’ai retrouvé une excellente vitesse de croisière ! Je n’ai pas encore, en revanche, fait le tour des autres nouveautés, mais il me semble qu’elles sont essentiellement cosmétiques ou visent à renforcer la sécurité…
La devinette proposée il y a peu de temps et concernant les « hymnes de la guerre civile opposant les gris et les bleus » a été résolue par Mathieu F. –bravo à lui !– pour ce qui concerne les deux questions **.
La réponse à la question**** était en effet plus difficile à trouver avec exactitude, mais la piste évoquée est la bonne.
Donc, voici la solution à cette devinette qui n’aura pas fait long feu !
•** L’hymne des Nordistes durant la guerre civile était « Battle Hymn Of The Republic ». Le premier extrait donne à entendre la chanson avec ses paroles, le second extrait ne propose que la célèbre mélodie dans une version pour piano et violon : les deux sont tirés de la bande-son du remarquable film-documentaire de Ken Burns, « The Civil War ».
•** Les paroles sont de Julia Ward Howe, une bigote calviniste et néanmoins féministe new-yorkaise, fille d’un banquier aisé, poétesse à ses heures et abolitionniste de longue date. En novembre 1861, elle effectua une visite d’un camp de l’armée du Potomac, près de Washington D.C. en compagnie du révérend James Freeman Clarke et de son mari, le Dr. Samuel Gridley Howe, qui était membre de la Commission sanitaire militaire du président Lincoln. –Cliquer sur les imagettes pour les voir en plus grand-.
Au cours de leur visite du camp, un groupe de soldats se mit à chanter certaines des chansons de guerre populaires, parmi lesquelles « John Brown’s Body » –écrite en mémoire de l’abolitionniste John Brown, condamné à mort en Virginie pour trahison en 1859-. Le révérend Clarke suggéra à Mme Howe d’écrire de nouvelles paroles sur cette mélodie familière et très populaire.
Le lendemain matin, le poème était achevé, comme Julia Ward Howe l’a décrit plus tard :
« Je me suis réveillée… dans le gris de l’aube, et à mon grand étonnement, ai constaté que les lignes souhaitées s’agençaient dans mon cerveau. Je suis restée immobile jusqu’à ce que le dernier verset se soit terminé dans mes pensées, puis je me suis levée à la hâte, en me disant : je perdrai cela si je ne l’écris pas immédiatement ».
•**** La mélodie provient en effet, comme suggéré par Mathieu F., d’un « camp meeting » méthodiste : les participants y apprenaient par coeur de nombreux chants religieux dont ils scandaient généralement, en guise de refrain, les mots « Glory, Hallelujah » à la fin de chaque couplet.
Cette mélodie est empruntée à la chanson « Say, Brothers, Will You Meet Us »; elle est attribuée à William Steffe –chef de coeur et organiste lors d’un « Meeting Camp en Caroline du Sud-, vraisemblablement en 1856. Cet air servit de mélodie à la chanson « John Brown’s Body », en 1859, avant de devenir la mélodie de « Battle Hymn Of the Republic » en 1861.
Je me suis enfin décidé à mettre à jour ma base de donnée « Discothèque », à laquelle je n’avais plus touché depuis un temps certain, pensant que je pouvais désormais me contenter d’une mise à jour annuelle ! En fait, non : l’ensemble s’est révélé fastidieux, et même si j’ai assez considérablement réduit mes achats de disques en 2025, cela m’a pris plus d’une heure : en réalité, j’en ai acheté un peu plus –en réalité : le double…– que ce que j’imaginais !
L’état des lieux s’établit ainsi : 5378 disques, dont 4346 dans la catégorie « Classique » et 1032 dans la catégorie « Pop-Rock », dont 52 LP –qui occupent autant de place que le plus grand coffret de l’histoire du disque dont je vous ai déjà entretenu…-. Beethoven est très largement en tête dans la première catégorie citée et les Rolling Stones dominent de la tête et des épaules la seconde. Je suis sûr que cela n’étonnera personne ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
