Playlist « Chansons en noir et blanc »

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Cette playlist nocturne –mes nuits sans dormir et tout ça…– est constituée de trois albums dont les deux principales particularités sont : 1. Une illustration de pochette globalement sombre et presque en noir et blanc ; 2. Le titre de chacun de ces albums comprend le mot « Song » –et, cependant, ils ne se succèdent pas complètement dans la base de données alphabétique, cette particularité étant partagées par d’autres albums !-. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• Tears For Fears – Songs fromThe Big Chair – 1985 ****

Ce disque est régulièrement cité comme l’un des tout meilleurs et des plus symbolique des 80’s. Personnellement,  je n’y ai pas accroché avant longtemps, mais il est finalement bien plus intéressant que l’opinion préconçue que j’en avais à l’écoute du hit mondial que fut « Shout » lors de sa sortie, que l’on entendait sur toutes les radios et dans tous les bars…

• John Cale & Lou Reed – Songs For Drella – 1990 *****

Drella –combinaison de Cindirella et de Dracula-, c’est Andy Warhol : ce disque est un hommage des deux anciens leaders du Velvet Underground à celui qui lança véritablement –et finança, à ses débuts– le groupe. Un album très intimiste qui propose des moments-clés de la vie de cet artiste multitâches extrêmement populaire aux États-Unis. Alternant au chant à cette occasion, John Cale –piano & alto– et Lou Reed –guitare– ont su surmonter leur brouille ancestrale, très vite réapparue lorsque le Velvet Underground se reforma de manière très éphémère au début des années 90 pour quelques concerts. Il en reste ce très beau témoignage. La version en concert de la la vidéo est une copie presque conforme de l’album studio.

• The Cure – Songs From A Lost World – 2024 *****

Je vous ai déjà dit tout le bien que je pensais de cet excellent album, ici ou là : c’est, pour le groupe leur meilleur disque de la décennie, du centenaire et du millénaire ! La chanson de la vidéo « And Nothing Is Forever » est par ailleurs très jolie à jouer à la basse, dans un rôle bien plus mélodique que rythmique –en studio, il y a un effet de distorsion très prononcé qu’on ne retrouve pas durant ce concert-.

And I know I know / For my world has grown old / And nothing is for ever
And I know, I know / My world has grown old / But it really doesn’t matter / If you say we’ll be together

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Playlist Vrombissante et fracassante

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J’entame cette semaine de manière vrombissante et fracassante avec cette playlist qui semble avoir été concoctée par un adolescent très chevelu et bondissant en rythme, secouant la tête au son de rythmes martelés, de guitares saturées et de stridulations vocales. Une expérience à ne pas renouveler trop fréquemment… D’ailleurs je vais filer chez le coiffeur 😉 …
A écouter « un peu fort », évidemment ! Les voisins n’ont qu’à bien se tenir ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• Van Halen – Van Halen I – 1978 ****

Le premier album de Van Halen fut mon tout premier disque de « hard-rock » –à l’époque, ce genre n’était pas encore divisé en multiples courants– et reste, aujourd’hui encore, un très bon album que j’aime me remettre en mémoire de temps à autre : il m’accompagne depuis longtemps, puisque je pense avoir acheté ce disque très tôt, à la toute fin des années 70 ou au début des années 80, en entrant dans l’adolescence. Ce premier album d’un groupe alors inconnu hors des États-Unis connut un succès fulgurant dans le monde entier, notamment grâce au jeu de guitare virtuose et novateur d’Eddie Van Halen et au chant gouailleur et puissant de David Lee Roth.
Des trois albums de cette playlist, c’est celui que j’écoute le moins rarement…


• Judas Priest – British Steel – 1980 ****

Je ne sais plus du tout comment cet album atterrit un jour dans ma discothèque, je ne me souviens pas de l’avoir acheté : sans doute un cadeau que l’on me fit un jour pour l »une ou l’autre occasion. Au demeurant, à l’époque, je l’aimais bien et il reste d’une écoute facile, assez loin de l’image de « metal hurlant » attachée au groupe, qui correspond plutôt à leur histoire musicale postérieure. Ici, de nombreux titres présentent un caractère « hymnique » et ont dû faire la joie des supporters de football au Royaume-Uni, qui adorent chanter en choeur dans les stades et ont certainement dû s’approprier certains refrains !
En définitive, mieux que dans mon lointain souvenir !


• Scorpions – Blackout – 1982 **(*)

Il paraît que pour de nombreux fans du groupe, « Blackout » est leur meilleur album : avis que je ne partage pas du tout ! En fait, je l’avais acheté rapidement à sa sortie et étais allé voir le groupe en concert –dont je ne garde quasiment aucun souvenir, ni bon, ni mauvais…– lors de la tournée de promotion qui suivit la sortie du disque, mais je n’ai jamais vraiment complètement accroché à cet album, ni d’ailleurs à tous ceux qui ont suivi. Je préfère largement les productions antérieures du groupe, lorsqu’il comptait dans ses rangs le remarquable guitariste Uli Jon Roth, beaucoup plus créatif que son successeur Matthias Jabs, qui n’est qu’un excellent technicien de la six cordes à mes oreilles. Finalement, le seul album de Scorpions que j’arrive encore à apprécier pleinement est le live « Tokyo Tapes ».

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Dimanche à l’opéra – L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

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Cette séance dominicale à l’opéra me conduit aux racines du genre lyrique, puisque « L’Orfeo » de Claudio Monteverdi est réputé être le premier opéra, ou dramma per musica, jamais composé. C’est en tout cas le premier véritable chef-d’oeuvre du genre qui soit resté dans l’histoire. La version écoutée ce dimanche est celle enregistrée par Nicolaus Harnoncourt en 1968. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

L’oeuvre, en cinq courts actes, fut composée vers 1607 pour la cour du duc de Mantoue, où elle fut représentée la même année pour la première fois. La première édition de la partition par le compositeur date de 1609. Auparavant, cependant, des pièces de camerata fiorentina se donnaient déjà pour objectif de recréer la tragédie grecque antique avec un support musical.

Le livret est d’Alessandro Striggio, qui s’est inspiré des « Métamorphoses » d’Ovide et de « L’Énéide » de Virgile. Vous trouverez ici une très bonne notice à propos de l’oeuvre, bien plus complète et détaillée que la notule que je pourrais écrire. L’argument mythologique est par ailleurs célèbre –Orphée essaie en vain de ramener son épouse Eurydice des enfers-, même si la fin est modifiée dans l’opéra : Orphée n’est pas tué par les Bacchantes, mais transporté au ciel par Apollon.

La version de Nicolaus Harnoncourt fit sensation lors de sa sortie en 1968 parce qu’elle était enregistrée selon le courant « historiquement informé » alors naissant, et très vite dénigré comme « mouvement baroqueux » par nombre de musicographes et de mélomanes peu charitables ! Pourtant, elle n’est pas la première à utiliser des instruments d’époque : dès 1953, le compositeur Paul Hindemith créait à Vienne une version de « L’Orfeo » respectant à la lettre l’instrumentarium demandé par Monteverdi, sur instruments d’époque ou copies d’instruments d’époque.

Cette version injustement oubliée a été ressortie du purgatoire grâce à un enregistrement radio désormais publié en CD. C’est un enchantement du côté de l’orchestre. En revanche, pour Hindemith, une voix humaine étant une voix humaine que ce soit au 16ème siècle ou au 20ème siècle, il n’y avait pas de raison pour qu’elle ait évolué notablement, et ses chanteurs, s’ils sont bons, ne livrent pas vraiment une interprétation historiquement informée, les connaissances étant alors encore peu avancée en matière de style vocal.

Ainsi, la version de ce jour peut être considérée comme la première version complètement « HIP » d’un opéra et l’un des tout premiers disques parus selon ces préceptes. Elle demeure d’autant plus importante qu’elle est par ailleurs très réussie, tant orchestralement que vocalement ! On notera même la présence du jeune Nigel Rogers –ici un berger– qui marquera de son empreinte, quelques années plus tard, le rôle d’Orfeo –enregistrement de Jürgen Jürgens pour Archi Musik en 1974, beaucoup moins vivifiant du côté de l’orchestre malheureusement : c’est cependant par lui que j’ai découvert et apprivoisé l’oeuvre au milieu des années 80-.

Les cinq actes s’écoulent en un peu moins de deux heures, sans que l’on s’ennuie un seul instant ! Un très beau dimanche lyrique !

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Open G – « L’accordage Keith Richards »

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J’aurais aussi pu nommer cette notule « La guitare pour les fainéants » ! En fait, je m’entraîne actuellement à jouer de la guitare en l’accordant en « Open G » –Ré/Sol/Ré/Sol/Si/Ré-, soit un accord parfait de sol majeur au lieu de l’accordage standard –Mi/La/Ré/Sol/Si/Mi-. Cela me permet de jouer facilement des chansons des Rolling Stones comme « Honky Tonk Women » –extrait-, « Brown Sugar » ou encore « Start Me Up » : que des tubes, donc, dont les doigtés seraient compliqués à effectuer en accordage standard. En revanche, contrairement à Keith Richards, je ne retire pas la corde de mi grave, je l’accorde simplement en ré, même si elle ne sert à rien pour ces chansons.

En Open G, cela va tout seul, toutes ces chansons se jouent alors en power chords avec deux doigts seulement ! Méthode de fainéant, donc, et pourtant terriblement efficace ! Evidemment, cela m’oblige à réaccorder la guitare après avoir joué ainsi : contrairement à Keith Richards, dont les techniciens d’arrière-scène accordent chaque guitare de façon adaptée à la chanson qu’il va jouer –standard avec ou sans capodastre, open G ou open D-, je n’ai pour ma part qu’une seule guitare !

Devinette « Morphologie & musique » – Solution

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La devinette que je vous proposais récemment n’a pas mis très longtemps à trouver sa solution, et c’est une nouvelle fois Mathieu F qui l’a proposée.

En effet, le « tonneau rempli de porc et de bière » décrit par Berlioz était Georg Frideric Handel, compositeur allemand naturalisé anglais, né en Basse-Saxe dans le Duché de Magdebourg en 1685 et mort à Londres en 1759.
Cette remarque méprisante du compositeur français allait à l’encontre de l’opinion communément admise concernant Handel à cette époque. Haydn, Mozart, Beethoven ou encore Schumann ou Liszt étaient de fervents admirateurs de Handel : « Notre maître à tous » –Haydn-, mais aussi « le plus grand compositeur ayant jamais vécu » –Beethoven-…

En France, en revanche, Handel fit les frais de la détestation de tout ce qui était anglais durant la première moitié du 19ème siècle, la défaite de Waterloo aidant, et Berlioz n’étais pas en reste dans cette perspective… D’autre part, il avait parfaitement assimilé l’opéra italien, et la fameuse « querelle des Bouffons », qui l’opposait à l’opéra français dont Berlioz fut un illustre représentant, restait encore dans les mémoires des musiciens. Enfin, la remarque de Berlioz n’est pas non plus sans lien avec la caricature du musicien qu’en fit le peintre Joseph Goupy, ami de Handel -sic !- qui était aussi le peintre qui réalisait les décors pour ses opéras… -cliquer sur l’image pour la voir en plus grand : la caricature est très célèbre-.

Par ailleurs, Handel était doté d’un appétit vorace et dès son long séjour en Italie, la gloutonnerie du Saxon était aussi légendaire –et raillée…– que sa virtuosité à l’orgue et au clavecin. Grand et très corpulent –on moquait son « tour de taille de trois yards »-, doté d’une démarche à la fois lourde et instable, sa silhouette était célèbre dans tout Londres, et il aimait plus que tout les nombreuses invitations à faire ripaille chez les « grands » de la Cour anglaise, qui l’admiraient et le choyaient. Si l’on se réfère aux rapports médicaux de l’époque, on dirait aujourd’hui que Handel souffrait de boulimie compulsive.

Pour en savoir encore plus sur l’historiographie de la perception du musicien, je vous recommande l’excellent livre de David Hunter : « The lives of Georg Fredric Handel », malheureusement non traduit en Français à ce jour. pour les non-anglophones, « Haendel en son temps » de Marc Belissa est une très bonne entrée en matière.

Playlist « La France vue par un Roumain »

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J’ai ressorti de mes étagères ce beau et relativement copieux coffret « Constantin Silvestri, the legendary conductor« , que je vous avais déjà un peu présenté ici ou là, notamment à travers ses interprétations du répertoire russe. Comme pour tous les coffrets de cette excellente collection –le prix très favorable auquel ils étaient régulièrement disponibles a malheureusement tendance à s’envoler outrageusement et proportionnellement à leur disponibilité désormais très aléatoire…-, le livret trilingue est de très bonne qualité. Dans la playlist de ce jour, ce sont les compositeurs français –ou francophone concernant César Franck, belge formé notamment au conservatoire de Paris et finalement naturalisé français en 1870– qui sont à l’honneur.

Constantin Silvestri, chef roumain, était réputé, comme son compatriote le pansu Sergiu Celibidache, pour son extrême exigence et le nombre incalculable de répétitions qu’il exigeait, assez peu compatible avec le temps que pouvaientt lui accorder les meilleurs orchestres européens. C’est pourquoi, sa carrière après sa fuite de Roumanie en 1957, fut essentiellement provinciale, puisqu’il se fixa à en Angleterre à Bournemouth : il y forgea un excellent orchestre, comme on peut l’entendre dans de nombreuses oeuvres de ce coffret. Auparavant, Walter Legge produisit quelques enregistrements réalisés à Londres ou à Paris, mais ne lui permit jamais de se frotter au grand répertoire symphonique allemand –Beethoven, Brahms, Bruckner ou Mahler– qui faisait alors la réputation des plus grands chefs.

Constantin Silvestri, à ses débuts chez EMI, resta confiné à de « petites pièces de bravoure » essentiellement issue du répertoire russe ou d’Europe Centrale ainsi qu’au répertoire français, comme c’est le cas dans cette playlist. Il y mit toujours une intransigeance pointilleuse, qui fait de ses interprétations des lectures à la fois très personnelles et très précises et brillantes, tirant le meilleur parti des orchestres qui lu sont confiés.

• Maurice Ravel – Boléro
• Camille Saint-Saëns – La danse macabre
• Paul Dukas – L’apprentis sorcier
Orchestre de la société des concerts du conservatoire de Paris, Constantin Silvestri – 1958 ****

• Claude Debussy – La mer ; 3 Nocturnes ; Prélude à l’après-midi d’un faune
Orchestre de la société des concerts du conservatoire de Paris, Constantin Silvestri – 1958/59 ***(*)

• César Franck – Symphonie en ré mineur
Philharmonia Orchestra, Constantin Silvestri – 1961 ****

–Extraits du coffret anthologique de 15 CD « Constantin Silvestri, the legendary conductor » – 15 CD, coll. Icon, EMI/Warner Classics, 2013–

–Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand–

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Balade au jardin botanique

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Hier, profitant d’une belle lumière et d’une météo très agréable, nous avons passé une petite heure au jardin botanique de Strasbourg, l’un des plus anciens de France, foisonnant en cette saison, et situé à peu de distance de notre appartement –cliquer sur l’imagette pour la voir en plus grand-. L’occasion de circuler, à l’ombre d’un chaud soleil, à travers une végétation touffue et riche en espèces rares –5500 espèces sont répertoriées dans le jardin et ses serres– dont un jeune séquoia géant d’une petite centaine d’années qui va encore grandir !

A cet égard, saviez-vous que le séquoia géant General Sherman et le séquoia géant General Grant, dans la « Giant Forest du parc national de Sequoia », en Californie, sont les deux plus grands organismes vivants sur notre planète ?

J’aurais d’ailleurs pu faire une devinette de cette remarque, mais je l’avais déjà posée sur un ancien blog : entre baleine bleue et dinosaure, personne n’avait, à l’époque, trouvé la solution ! J’en ai profité pour faire quelques photos –à forte dominante verte !– que vous pouvez trouver ici. La visite des serres, au cours d’une balade plus hivernale, est déjà en projet !

 

Playlist « Un monde autour du reggae »

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La playlist de ce dimanche permet de découvrir tout un monde autour du reggae sans le côté mystique et religieux généralement attaché à cette musique : le rastafarisme.

En effet, on ne le sait pas toujours, « rasta » est dérivé de Ras Tafari Makonnen, devenu empereur d’Éthiopie (Négus) sous le nom de Haïlé Selassié, réputé être un descendant de la Reine de Saba, figure biblique rattachée au Roi Salomon, et considéré comme le Messie pour les Jamaïcains et certains Africains. Bob Marley, lui-même membre des Douze Tribus d’Israël, fut le grand prêtre le plus célèbre du rastafarisme, l’espace d’une décennie.

Point de tout cela dans cette playlist, d’une spiritualité beaucoup plus éclectique et proposant à la fois les ancêtres –ska et rocksteady– et les descendants –dub– du reggae ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• Madness – One Step Beyond – 1979
• Lee « Scratch » Perry – Voodooism – 1996
• The Specials – BBC Sessions – 1998 –les chansons ont été enregistrées entre 1979 et 1983–

D’une part, la playlist évolue entre ska, rocksteady et dub ; d’autre part, deux des groupes qui la composent sont composés de musiciens blancs uniquement –Madness– ou très majoritairement –The Specials-, issus du prolétariat anglais et assez proche de la mouvance skinhead à l’origine. Ces deux groupes, au tournant des années 80, furent exceptionnellement bien reçus par le public occidental !

Madness –extrait 1– est un groupe toujours actif de nos jours et continue à sortir de bons -voire très bons- albums de temps à autre, même si leur renommée a décru depuis les succès de leurs débuts.
The Specials –extrait 2-, en revanche, se sont séparés dès le début des années 80, avant de partiellement, sporadiquement et vainement tenter de se reformer.

Quant à Lee « Scratch » Perry, le « Salvador Dali jamaïcain », il est au reggae ce qu’était George Martin aux Beatles ou Phil Spector à la production sonore : artiste multi-taches et bricoleur de génie, précurseur du « dub » –courant expérimental du reggae– avec King Tubby, il fut, durant une cinquantaine d’années au moins, l’éminence grise fantasque –et totalement caractérielle et imprévisible– ainsi que le producteur de la quasi-totalité des musiciens jamaïcains –y compris Bob Marley & The Wailers-.

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