Bilan 2019•3 – Coups de coeur – Classique

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Nous en arrivons donc à l’avant-dernière livraison de ce bilan discographique 2019, consacrée aux CD de musique classique pour lesquels j’ai éprouvé un vrai coup de coeur cette année ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

On retrouve dans cette liste :

• Les sonates pour piano de Beethoven par Artur Schnabel, enregistrées dans la première moitié des années 30 –cf. extrait 1-. J’ai suffisamment insisté dans les notules précédentes sur la qualité des restaurations effectuées par ce label pour ne pas y revenir… C’est très supérieur à toutes les éditions antérieures parues chez EMI puis Warner. Et comme l’interprétation est formidable et assez intemporelle, cette collection de 10 CD –l’éditeur a rajouté des séries de variations– a une valeur inestimable ! 

• Une magnifique version du non moins magnifique concerto pour violoncelle d’Elgar –cf. extrait 2-, complété d’une oeuvre plus rare de Gustav Holst, « The Fall Of The Leaf », et du beau concerto pour violoncelle de William Walton, composé en 1956. La prise de son est tout-à-fait bonne de surcroît !

• Des opéras : « Les diables de Loudun », de Penderecki, inspiré par une histoire vraie dont vous trouverez les tenants et les aboutissants ici : l’un des opéras les plus réussis de la seconde moitié du vingtième siècle selon mes oreilles, même s’il n’est pas d’un accès facile pour des auditeurs souhaitant découvrir l’opéra –cf.extrait vidéo ci-dessous– ! Et une très belle version du « Ring des Nibelungen » –encore !!!– de Wagner, que j’ai longtemps cherchée. Le coffret n’est plus édité, mais c’est sans doute la meilleure version parue depuis le début des années 80, du moins pour ce qui me concerne : belle direction, très narrative, et chanteurs très investis dans leurs rôles –il s’agit d’un enregistrement public-.

• J’ai beaucoup apprécié aussi cette version de la treizième symphonie « Babi Yar » de Chostakovich par son créateur, Kyrill Kondrashin, enregistrée peu de jours après sa création mouvementée : pour tout savoir à ce propos, vous pouvez lire cet article synthétique qui résume le pourquoi du comment… Quant au poème d’Yevtuchenko qui servit de support à cette symphonie, vous pouvez le lire ici.

• Les lecteurs les plus anciens de ce blog connaissent mon engouement pour Handel et ses oratorios. Le chef anglais John Eliot Gardiner en enregistra une assez large somme au début des années 80, et, parmi ceux achetés en début d’année, « Solomon, fondé sur trois épisodes de la vie du roi Salomon –couronnement – Jugement – Reine de Saba– est celui que j’ai préféré. Très belle version, superbement dirigé, magistralement chantée –solistes et, surtout, choeurs-, dotée d’une prise de son remarquable !

• Enfin, le coffret anthologie de 8 CD vendu à prix fracassé et consacré à la seconde école de Vienne –Berg, Schönberg, Webern– par le chef italien Giuseppe Sinopoli est à recommander absolument pour qui veut découvrir ou approfondir ces oeuvres : le chef joue à fond le jeu d’un expressionnisme post-romantique qui sied admirablement à ces oeuvres ! Un vrai beau coup de coeur ! 

Bilan 2019•2 – Coups de coeur – Wagner

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Les cinq albums présentés ici auraient pu tous figurer dans la première liste présentée ici, mais comme ils formaient un « tout » très cohérent, j’ai préféré les regrouper dans une notule à part. 

Pour les lecteurs assidus et anciens de ce blog, ma préférence pour le Ring de Wagner interprété par Clemens Krauss à Bayreuth en 1953 est une histoire d’autant plus connue que cette version figure dans la liste très restreinte de mon île déserte –laquelle, du fait d’une évolution de mes goûts, mériterait d’être réactualisée un peu, mais ceci est une autre histoire…-. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Depuis sa parution sous le manteau, d’abord sur des vinyles de très mauvaise qualité en Allemagne de l’Est, cette version a atteint un statut mythique souligné lors de chaque réédition. La plus-value de celle-ci est d’ordre sonore : depuis l’apparition du CD, il s’agit de la troisième version que j’achète, et, pour la première fois, je ne ressens plus aucune frustration du point de vue sonore : le travail sur ces antiques bandes radio enregistrées en mono dans les conditions du direct est tout simplement miraculeux ! Le label Pristine Classical est français –comme son nom ne l’indique pas… La maison-mère est située en Dordogne– et spécialisé dans le retraitement de vieux documents sonores, qu’il rénove en partant des meilleures sources disponibles –lorsqu’il s’agit de matrices de 78 tours-, y compris en utilisant des processeurs numériques. Les meilleurs ingénieurs du son ont été recrutés à cette fin, et l’on retrouve donc des noms très connus en la matière.
Quel que soit le procédé employé, le résultat final est absolument étonnant ! 

L’autre trésor ayant émergé de ces archives est une version tout aussi mythique des « Meistersinger von Nürnberg », enregistrée à l’occasionne la réouverture de opéra de Münich, qui avait été largement détruit par la guerre –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
Elle donne notamment à entendre sous son meilleur jour le légendaire Hans Hotter dans le rôle de Hans Sachs, qu’il chérissait entre tous mais qu’il n’aborda, sur scène, que très rarement –quelques extraits anciens, enregistrés dans sa prime jeunesse en studio, sont du plus haut intérêt-. Il en existe un autre témoigne attachant mais moins formidable –Bayreuth 1956-. J’en possédais la première édition CD, parue au milieu des années 90, mais cette réédition est soniquement très supérieure, et le même miracle que pour le Ring se reproduit, même si le son d’origine est un peu inférieur à la base. Musicalement, on se situe tout en haut de la discographie de cette oeuvre souriante, et le bonheur d’entendre ce Sachs si humain, d’une bonhommie et d’une profondeur inégalées -cf. les deux extraits proposés-. La voix est somptueuse, l’émotion est palpable, le timbre d’une chaleur et d’une beauté inapprochées depuis chez les autres titulaires de ce rôle écrasant. Et comme tout l’entourage est à la hauteur de l’événement et que la direction est vivante et dynamique, cette version est tout-à-fait magistrale !

Un dimanche à l’opéra, encore…

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Très belle journée passée à l’opéra, même si l’accès au fauteuil, face à la scène, est compliqué du fait du capharnaüm qui règne ici…

Et très belle interprétation du Parsifal de Wagner, vive mais poétique, dans une très belle restauration sonore, qui rend cette version tout-à-fait plaisante à écouter -les précédentes rééditions de cette version ancienne étaient plus aléatoires en la matière-.
L’extrait ci-dessous devrait vous convaincre de la pertinence de ce travail –la méthodologie est détaillée et accessible en suivant le lien ci-après-, réalisé, qui plus est, par un éditeur français ! Le Ring, chez le même éditeur, a été pareillement embelli et rajeuni : c’est un vrai bonheur !

Clemens Krauss ne dirigea qu’une seule année à Bayreuth –en 1953-, mais eût-il vécu plus longtemps –il est mort en mai 1954, soit avant l’ouverture du festival de 1954– qu’il en serait devenu un vrai pilier, tant les  prestations qu’il y donna sont mythiques : un « Ring » d’anthologie –et, pour moi, le plus beau de tous– et, donc, ce Parsifal, avec presque la même équipe que Knappertsbusch deux années auparavant –autre version souvent citée en référence-, mais dans une optique toute autre : certes, le caractère sacré de l’oeuvre n’y perd rien, mais sans le côté « Grand’Messe solennelle » qu’on peut entendre dans tant de versions étirées jusqu’à  l’extrême l’absurde –.

Rien de tout cela ici, et heureusement à mon avis : nous sommes bien au théâtre, et les chanteurs, tous presque vétérans de leur rôle et dotés d’un vrai sens de la déclamation dans un allemand impeccable, sont portés par cette direction claire et lumineuse, vive -environ 3h45, contre près de 4h45 pour les versions le plus lentes : et pourtant, l’oeuvre n’y perd rien, tant la gestion du temps et de la tension est idéale ici-, remarquablement narrative !

Un beau dimanche à l’opéra, donc !

Achat coup de coeur

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Comment, encore un Ring, me direz-vous !?! Oui, mais pas n’importe lequel, vous répondrai-je ! Celui-ci, je souhaitais me l’offrir depuis des années, mais, suppression du catalogue de longue date oblige, il était vendu à des prix prohibitifs sous cette forme, ou bien recyclé dans un coffret compilant l’ensemble des opéras de Wagner qui n’est plus disponible non plus depuis quelques semaines. Finalement, je l’ai trouvé en occasion à un pris très convenable et en excellent état, loin des tarifs exorbitants affichés sur les boutiques en ligne, et je n’ai pas hésité trop longtemps pour me jeter dessus !

Une belle leçon de direction –fluide, vive, poétique, très narrative et assez proche de Kempe en définitive– et de bons chanteurs en général –un beau Wotan, notamment, qui fait, à lui seul, tout le prix de cet album, une Brünnhilde qui est la meilleure d’une chanteuse que certains (ce n’est pas mon cas : j’en préfère beaucoup d’autres) placent assez haut dans leur estime pour ce rôle difficile, un excellent Alberich et un honnête Siegfried…-, le tout dans une prise de son de concert très naturelle, respectueuse des timbres et de l’équilibre entre fosse et scène : de loin le meilleur Ring enregistré dans les années 80.

Initialement, tout cela était sorti en LaserDisc vidéo –qui se souvient encore de ce support ?-, mais, curieusement, ce Ring ne fut jamais repris en DVD : on en trouve de larges extraits sur la toile, qui attestent d’une scénographie oscillant entre le traditionnel et le plus expérimental, jamais désagréable, mais jamais édifiant non plus. J’aime beaucoup, cependant, le décor du Walhall dans la Walkyrie.

Bref, un véritable achat « coup de coeur » en cette période de disette discographique : j’ai acheté très peu de disques depuis le début de l’année.

Playlist « Vieilles cuirasses »

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Entamée très tôt ce matin, l’écoute d’une très ancienne version du « Crépuscule des dieux » de Wagner –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand, vraisemblablement la plus ancienne version intégrale ?-, enregistrée à Bayreuth pendant la guerre en 1942,  me renvoie vers les mises en scène pleines de cuirasses en fer blanc et autres casques ailés ! Et vers des voix dont l’ampleur de la déclamation semble avoir désormais disparu de nos interprétations plus récentes depuis bien longtemps ! Ça faisait longtemps que je n’avais plus approché cette version, et j’y redécouvre de vrais trésors :
• l’orchestre de Bayreuth, à cette date, est mieux en place que dans l’immédiat après-guerre, lors de la réouverture du « Neues Bayreuth »; en revanche, le choeur est assez rustique;
• le chef, Karl Elmendorff, est excellent, quoi que bien oublié de nos jours ! Très expressif et connaissant visiblement l’oeuvre sur le bout des doigts –un vrai sens de la narration– il gère très bien la tension tout au long de l’oeuvre. Sa « Marche funèbre » est l’une des meilleures que je connaisse –une « lente déploration », comme le voulait Wagner, et qui retrouve tout son sens enregistrée sous la fosse, cf. l’extrait proposé-;
• c’est, à ma connaissance, le seul enregistrement où l’on peut entendre les cors spécialement créés pour cette oeuvre dans l’appel des vassaux, et qui furent détruits à la fin de la guerre; ils émergent complètement de la masse orchestrale coincée sous la fosse de manière totalement adéquate, et la perspective reste impressionnante malgré l’âge de la prise de son !

Quant aux chanteurs, l’impression est globalement favorable -déjà parce que la maîtrise de la langue, la diction et la prosodie sont parfaites, ce qui n’est pas rien dans Wagner…-, malgré quelques pailles ponctuelles :
Martha Fuchs –cf. photo à droite, anti-nazie notoire, on se demande comment elle fut autorisée à se produire en Allemagne durant la guerre-, une excellente Brünhilde d’avant-guerre en Allemagne, est tendre et poétique, mais la grande scène de l’immolation finale la trouve fatiguée et presqu’exsangue, très en difficulté avec ses aigus malgré un investissement indéniable et une réelle volonté de chanter plutôt que de s’époumoner. Néanmoins, une de mes Brünhilde préférées, après Astrid Varnay –mais d’aucuns vous diront que j’ai des goûts bizarres, ou datés, voire contestables !-.
Svet Svanholm est bien meilleur en Siegfried à cette date que dans les productions d’après-guerre assez bien documentées que l’on connaît de lui et il en va de même pour Frederick Dahlberg, globalement excellent dans le rôle du vilain Hagen.

En définitive, un excellent « Crépuscule des Dieux », dont je m’étonne qu’il soit si rarement cité –à ma connaissance au moins– parmi les « versions de référence » ! D’autant qu’eu égard à l’époque, l’enregistrement est étonnamment bon !
Historiquement, en tout cas, il est important pour comprendre l’évolution de l’histoire du chant et de l’interprétation des opéras de Wagner.

Opéra. Représentation du dimanche matin

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Evidemment,  en me lançant dans l’écoute d’un opérable dimanche matin à partir de 9 heures environ, j’envisage, entractes compris, de déjeuner tard ! Ça tombe bien, TheCookingCat rentre du travail vers 13:30 environ, et j’ai donc le temps de profiter un peu de son absence pour « écouter fort » cet album que je cherchais depuis longtemps, et qu’on trouve assez difficilement à prix convenable –il semble qu’il n’ait pas été réédité depuis plusieurs années-. Très jolie présentation, excellent livret –qui nécessite cependant l’achat surnuméraire d’une loupe, tant les textes sont écrits petits…-.

A la fin des années 80 et au début des années 90, les grands éditeurs enregistraient à tout de bras des « Ring » intégraux, pour profiter des avantages du numérique, d’une part, et présenter une nouvelle génération d’artistes, d’autre part. On eut donc droit, tour à tour, à James Levine pour Deutsche Gramophone –beau mais impavide et très lent-, Bernard Haitink pour EMI –beau mais lisse et presque sans passion– puis, à peine plus tard, Christoph Donanhyi entama sa version en 1992, avec cette Walkyrie, mais Decca n’alla jamais au bout de l’entreprise…

Pourtant, des trois, c’est celui que je trouve le plus intéressant : je préfère de très loin le Wotan de Robert Hale à celui de James Morris –ce qui a une importance capitale pour la longue narration introspective de l’acte 2-, interprète des deux versions concurrentes, et l’orchestre de Donanhyi, précis et narratif, s’avère excellent et tenu d’une main de maître –il est curieux que ce chef, qui enregistra beaucoup d’excellents disques à cette époque, ne soit pas plus connu : il fait partie des très grands, malgré son déficit relatif de notoriété…-. Tous les chanteurs sont pour le moins satisfaisants, et l’engagement dramatique est plus intense que dans les deux albums sus-cités.

Evidemment, ces trois version sont excellemment enregistrées, bénéficient d’une production soignée et, chacune à leur manière, sentent le studio à plein nez et manquent de l’engagement de versions enregistrées en live, mais elles n’en présentent pas, non plus, les éventuelles petits « pains » ou les baisses de tension occasionnelles. Et leur prise de son s’avère très bien équilibrée, ce qui ne gâche pas le plaisir, bien au contraire ! Avec un petit plus pour cette version Decca, qui me semble la plus naturelle des trois.
L’une des meilleures version de studio, en définitive…

Les miracles d’une belle restauration !

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Le cycle « Der Ring des Nibelungen » de Wagner, enregistré -sous le manteau- par Furtwängler à la Scala de Milan au printemps 1950, est vraiment excellent, mais si mal enregistré que, pendant longtemps, j’avais laissé tomber son écoute : selon les éditions, ce qu’on entendait allait du médiocre absolu au tout juste passable.
Il s’avère qu’une entreprise française l’a patiemment et miraculeusement restauré, rendant son écoute désormais aisée et même assez agréable aux oreilles : suppression du pleurage, d’une grande partie du souffle et de divers artefacts sonores, élargissement de la scène sonore et mise en perspective des voix, rééquilibrage des instruments, dynamique largement accrue… –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Le seul défaut de ces CD, outre un prix relativement élevé, est en définitive la relative laideur des pochettes –mais elles ne s’écoutent pas…-.
En revanche, le traitement numérique des meilleures sources disponibles semble à la fois complexe et fondé sur des concepts à la fois scientifiques et psycho-acoustiques :  en fait, peu importe, l’essentiel est que le rajeunissement est spectaculaire –digne des meilleurs studios de cette époque– et permet désormais d’entendre cette excellente version dans les meilleures conditions possible !
Et ce court extrait devrait vous en convaincre sans peine…

Une discothèque. Bilan 2017. Les découvertes.

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Quelques très jolies découvertes, cette année, sont venues abonder ma discothèque. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• On trouve d’abord des « découvertes absolues » : musiciens et oeuvres que je ne connaissais pas du tout, sauf très vaguement de nom… Il y a dans cette catégorie Maximilian Steinberg, compositeur russe, comme son nom ne l’indique pas, gendre de Rimsky-Korsakov et professeur de Chostakovich. Très réputé au début de sa carrière dans son pays, il s’est cantonné à un style post-romantique qui l’a peu à peu fait sombrer dans l’oubli. Ses deux symphonies, néanmoins, sont tout-à-fait estimables. Kurt Atterberg est un musicien suédois grosso modo contemporain de Sibelius, qui produisit notamment 9 symphonies –comme Beethoven, Bruckner ou Mahler…-, là encore dans une veine post-romantique assez affirmée, où l’on peut trouver une belle verve mélodique : c’est souvent très bien, rarement exceptionnel –cf. extrait 1-. Jon Leifs est presque son exact contemporain : islandais, sa musique est nettement plus hardie et évoque, par moments, de la bonne musique de film. Une belle découverte !

• Quant aux autres, il s’agit de « découvertes relatives » : les oeuvres pour piano d’Einojuhani Rautavaara gagneraient à être mieux enregistrées, sans doute, que dans cette version où le piano peine à s’exprimer –la firme, à très petit prix, n’a jamais été réputée pour ses prises de son de piano, opaques, réverbérées et un peu brouillonnes-. Le meilleur y côtoie le moins intéressant, on passe d’un piano statique et réflexif à des passages plus sonores et presque clinquants –cf. extrait 2-. Telemann et Purcell ne m’étaient bien évidemment pas inconnus, mais, en définitive, je les connais assez mal, notamment le second, et l’écoute de ce disque m’a réservé de jolies surprises. Enfin, Ticho Parly, grand ténor wagnérien, bénéficiait d’une belle aura auprès des amateurs du compositeur, mais ses enregistrements étaient quasiment introuvables, avant cette réédition, dans une très belle collection : la découverte est à la hauteur de mon attente et de sa réputation !

Un dimanche avec Richard -et Otto…- !

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Ce matin a débuté en fanfare, avec des pages orchestrales de Richard Wagner dirigées par Otto Klemperer. Généralement, je n’écoute quasiment jamais d’extraits orchestraux des opéras de Wagner, qui peinent à trouver sens en-dehors de leur contexte, mais, pour ces interprétations, je fais de temps à autre exception à cette règle. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Grand wagnérien et ayant débuté très tôt dans l’interprétation de ces oeuvres –et notamment à l’opéra de Strasbourg, dont il fut chef et sous-directeur de 1914 à 1917-, Klemperer –le plus grand par la taille des cinq très grands chefs par le talent sur la photo illustrant la fin de l’article : Bruno Walter, Arturo Toscanini, Erich Kleiber, Otto -Klemeprer et Wilhelm Furtwängler– n’eut plus guère l’occasion de diriger des opéras complets après la seconde guerre mondiale, n’ayant plus trouvé de maison d’opéra désireuse de l’embaucher, du fait de son caractère plutôt irascible et d’une santé quelque peu déficiente –il reste un « Lohengrin » en hongrois de Budapest et un « Vaisseau Fantôme » enregistré en studio en 1968, et puis c’est tout-.
Il envisagea cependant d’enregistrer « Die Walküre« , trop tard pour lui malheureusement, mais il en reste l’album d’extraits écouté ce jour : le premier acte au complet, avec de très jeunes chanteurs, beau mais un peu ectoplasmique et très lent –la pesanteur tient lieu de drame-, et des extraits du deuxième acte, très bien dirigés mais moins intéressants du fait de l’absence d’un très grand Wotan. –cf. extrait ci-dessous–

Il se rabattit donc, tout au long des années 60, sur l’enregistrement de préludes, d’ouvertures et autres interludes pour orchestre : si l’on aime, c’est complètement indispensable, et sans doute ce qu’il y a de mieux dans le genre –la compréhension des rapports de timbres est exceptionnelle dans ces disques– !
De quoi passer un très bon dimanche matin, en tout cas !

Playlist avec un K

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Retenu par plein d’autres activités ces derniers jours, j’ai consacré assez peu de temps à mes oreilles, même si j’ai, malgré tout, écouté assez distraitement un peu de musique, et, notamment, la magnifique « Walküre » de Karajan –1966-, ce qui a occupé plaisamment une entière fin de journée hier. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Tombé du lit fort tôt ce matin comme tous les matins depuis le décalage horaire, j’ai constitué une playlist formée d’albums dont le titre commence par la lettre K.
Lettre relativement rare, et choix en conséquence plutôt restreint –une petite douzaine seulement d’albums répondait à cette caractéristique dans ma discothèque-. Chose encore plus rare, cette playlist comporte deux albums étiquetés « Jazz », un genre que je goûte généralement assez peu, comme le savent les lecteurs réguliers de ce blog. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

On retrouve donc, dans l’ordre :
Miles Davis, « Kind of Blue » –1959-. Le disque le plus célèbre du trompettiste, et, paraît-il, l’album de jazz le plus vendu au monde, comme quoi je ne dois pas avoir trop mauvais goût en la matière, malgré mon peu d’appétence…
Sparks, « Kimono My House » –1974-. Evidemment, cette pop fraîche et plutôt ambitieuse contraste singulièrement avec l’album précédent. Personnellement, j’aime beaucoup cet album très singulier, marqué en particulier par la voix à l’amplitude très large de Russell Mael.
Keith Jarrett, « (The) Köln Concert » –1975-. C’est indéniablement le disque le plus célèbre du pianiste, et le disque de piano solo le plus vendu au monde. C’est aussi le premier album « de jazz » que j’ai acheté dans ma vie, et, si je l’écoute plus très souvent, c’est toujours avec plaisir.
The Cure, « Kiss me, Kiss me, Kiss me » –1987-. A contrario, cet album n’est pas mon préféré du groupe. Il est néanmoins très –trop ?– varié, commence très fort avec la fabuleuse chanson « Kiss me », et comporte le très frais et très pop tube, archi-connu, que je vous propose en extrait ci-dessous : de quoi mettre un peu de bonne humeur dans toutes les chaumières !

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