Playlist en couleurs. Rouge -et une devinette-.

/ / 4 commentaires / Devinette, Playlists en couleurs

• Grateful Dead – Live Dead – 1969 ****
• Johann Strauss – Valses & Polkas – Os Pittsburgh, William Steinberg – 1958 ****
• The Cramps – Big Beat From Badsville – 1997 ***
• Ludwig Van Beethoven – Symphonie n°9 – OP Berlin, Herbert Von Karajan – 1977 *****
–Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

En guise de devinette : l’extrait à l’écoute est un clin d’oeil à une chanson d’un autre groupe culte, presque contemporain et dont tous les membres sont décédés et assez souvent cité sur ce blog. Saurez-vous trouvez de quel groupe il s’agit ? –Et si vous trouvez en plus le nom de la chanson qui inspire cet extrait, vous êtes brillantissimes– ! Niveau de difficulté : ** A vos claviers !

Par ailleurs, la devinette précédente reste sans solution à cette heure…

, , , , ,

Playlist en couleurs – Orange

/ / Laisser un commentaire / Playlists en couleurs

• Tchaïkovsky – Symphonie n°5 – OP New York, Bernstein – 1988 **
• The Cure – Kiss Me Kiss Me Kiss Me – 1987 ****
• The Real Kids – No Place Fast – 1981/1982 ****
• Paul Hindemith – Symphonie Serena ; Die Harmonie der Welt – Gewandhaus Leizig, Blomstedt – 1997 *****
–Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand–

, , , ,

Playlist en couleurs – Bleu

/ / Laisser un commentaire / Playlists en couleurs

• Dire Straits – Love Over Gold – 1982 *****
• Gustav Mahler – Symphonie n°5 – OP Berlin, Karajan – 1973 ****
• Portishead – Dummy – 1994 ***
• Serge Gainsbourg – Histoire de Melody Nelson – 1971 *****
–Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

, , , , ,

Playlist du Grand Nord. 2 : Suède

/ / Laisser un commentaire / Musique

La playlist de ce jour, deuxième de cette série consacrée à des oeuvres symphonique venues du grand Nord, est consacrée à trois compositeurs suédois, qui sont sans doute les plus représentatifs du genre, à défaut d’être très connus du grand public, voire des « mélomanes du quotidien », sans que ce terme soit aucunement péjoratif. –Cliquer sur l’image et les imagettes des portraits pour les voir en plus grand-.

• Franz Berwald –1796-1868– était un compositeur suédois dont les symphonies sont contemporaines de celles de Mendelssohn ou de Schumann, soit le milieu du XIXème siècle. Elles sont donc d’essence essentiellement romantique et restent de structure fondamentalement classique, comportant peu d’éléments du folklore suédois. La symphonie n°2 –« Symphonie capricieuse »– propose cependant une instrumentation colorée et la symphonie n°4 –« Symphonie naïve »– donne à entendre des thèmes pastoraux agréables, mais l’ensemble du corpus me semble moins intéressant, en définitive, que les corpus symphoniques de ses plus illustres contemporains. La discographie des symphonies de Berwald est assez pauvre, et c’est encore Neeme Järvi qui le révéla à un public un peu plus large au début des années 80.

• Une décennie plus tard, le même Neeme Järvi enregistrait l’intégrale des symphonies d’Hugo Alfvén pour le BIS, dans des prises de son somptueuses typiques du label. Pour le coup, ce compositeur m’était connu depuis les années 80 –Hugo Alfvén -1872-1960- est l’un des principaux compositeurs suédois du romantisme tardif et du début du XXème siècle-, parce que mon oncle immense collectionneur de disque m’avait demandé de lui ramener de Suède, où je périplais pour mes vacances à travers la Scandinavie, tout ce qu’il était possible de lui dénicher de ce compositeur, dont rien n’était alors disponible en France, et si peu en Allemagne. J’avais ainsi effectué une assez maigre cueillette –moins d’une dizaine de LP dans mon souvenir– chez un disquaire de Göteborg tout étonné de voir un adulescent chevelu lui faire part de cette demande.
Les symphonies d’Alfvén sont contemporaines de celles de Sibelius et s’inscrivent dans un romantisme tardif incorporant quelques éléments du folklore populaire suédois. La texture orchestrale est riche et dense, les mélodies sont marquées par un fort lyrisme. Comme son illustre contemporain finlandais, Alfvén sait très bien évoquer les vastes paysages nordiques. Sa quatrième symphonie -« Aux confins de l’archipel »-, à l’écoute ce jour, est vraiment intéressante : elle est très programmatique et utilise une structure peu conventionnelle –un seul mouvement organisé en quatre épisodes-, avec des éléments vocaux. Vous en trouverez une description détaillée ici.

• Kurt Atterberg –1887–1974– est l’autre grand symphoniste suédois du XXème siècle, quasi-contemporain d’Hugo Alfvén et encore moins connu que lui, tout au moins jusqu’à récemment. Il composa neuf symphonies, qui ont connu deux enregistrements intégraux chez de « petits » labels indépendants –Naxos et CPO– friands de parutions rares et souvent inédites et dont je me suis toujours demandé comment ils pouvaient survivre sur ce seul marché de niche, d’autant qu’ils éditent leurs disques à des tarifs très doux dès leur sortie, dans des conditions techniques généralement très convenables.
Les symphonies d’Atterberg s’inscrivent dans une veine post-romantique et sont régulièrement influencées par le folklore suédois : les symphonies n°4 et 8, écoutées ce jour, sont ainsi chacune fondées sur des mélodies populaires suédoises. Le style d’Atterberg reste toujours accessible et plaisant, très lyrique et loin des expérimentations ou des recherches avant-gardistes de nombre de ses contemporains.

Au final, et nonobstant la petite déception concernant les symphonies de Franz Berwald, une très belle playlist à travers la Suède !

,

Playlist provinciale

/ / Laisser un commentaire / Musique

Je poursuis, maintenant que le temps m’en est offert, d’explorer les tréfonds de ma discothèque en approfondissant le contenu d’un coffret dont je vous ai parlé il y a fort longtemps, déjà, et qui m’avait laissé  une impression plutôt positive dans son ensemble, mais avec quelques réserves toutefois –et, notamment une quatrième symphonie de Tchaïkovsky, curieusement désarticulée dans mon souvenir : il faudrait que je confirme cette impression un peu lointaine-.
Chef roumain ayant fui la dictature communiste établie dans on pays en 1957, Constantin Silvestri s’établit à l’ouest, à Londres d’abord, puis à Paris, et enfin à Bournemouth, cité balnéaire de la côte sud de l’Angleterre, qui comptait 150 000 habitants en 1961 : tout le charme de la province anglaise, donc ! Le coffret comporte ainsi des enregistrements réalisés dans ces trois villes, mais également à Vienne, et s’étalent sur une dizaine d’années –entre 1957 et 1968-, juste avant le décès du chef en 1969.
Personnage intransigeant, pointilleux jusqu’aux plus petits détails, Silvestri demandait un nombre de répétitions considérables, ce qui lui ferma les portes des orchestres les plus prestigieux, qui ne pouvaient/voulaient pas les lui offrir. A Bournemouth, cette intransigeance lui permit de bâtir un orchestre de grande qualité, très phonogénique. En revanche, Walter Legge, directeur artistique tout-puissant chez EMI-HMV, confina souvent le chef à des oeuvres populaires mais de seconde importance, à quelques exceptions près : c’est pourquoi on retrouve dans la discographie de Silvestri de nombreuses pièces de circonstance, mais assez peu d’oeuvres du grand répertoire, hors Tchaïkovsky, Berlioz et Dvorak, ou encore Bartok et Hindemith pour les « contemporains ». Il faut reconnaître qu’à l’époque, la concurrence était vive chez EMI en Angleterre, entre Karajan et le Philharmonia ou Beecham, Boult et Sargent, tous à la tête d’orchestres anglais bien plus prestigieux que celui de Bournemouth.
On retrouve dans la playlist de ce jour –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand– :

• une anthologie de musique russe : Prokofiev, Katchaturian, Rimsky-Korsakov, Borodin, Glinka… enregistrée entre Vienne, Paris et Londres –***– ;
• Hindemith : « Mathis der Maler » –***– et Bartok « Divertimento » –****– gravée à Londres avec le Philharmonia ;
• Dvorak : Symphonie n°9 –n°5 dans l’ancienne numérotation et dans les premières éditions de l’oeuvre– enregistrée à Paris –****-.

De belles versions -l’appréciation du premier disque porte plus sur son contenu que sur les interprétations du chef, tout-à-fait excellentes-, généralement expressives, engagées et vivantes, même si pour Hindemith, il ne s’agit pas de ma version préférée d’une oeuvre que j’aime beaucoup.

, , ,

Playlist « Le chef-d’oeuvre et ses prémices »

/ / Laisser un commentaire / Musique

En ce jour hivernal et enneigé, anniversaire de la fin d’un soviet à Strasbourg –qui fut installé du 10 au 22 novembre 1918-, expérience quasi-unique en France, mais à l’époque, Strasbourg n’était pas en France –on trouve également des soviets installés à Mulhouse, Metz ou Haguenau durant les deux mêmes semaines– et à la veille de la commémoration de la libération de Strasbourg le 23 novembre 1944 par la deuxième division blindée –nombreuses festivités pour le 80ème anniversaire de cet épisode prévues demain-, la playlist de ce jour, extraite pour deux albums des tréfonds très peu explorés de ma discothèque, est consacrée à deux oeuvrettes constituant les prémices d’un chef-d’oeuvre révolutionnaire et inépuisable : la symphonie n°3 « Eroica » de Beethoven. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.


On retrouve ainsi dans cette playlist :
• la musique pour un ballet chevaleresque -WoO 1-, composée à l’occasion d’un bal masque donné par le comte Von Waldstein en 1791, qui fut un mécène important pour le compositeur. Cette composition n’est pas inscrite au catalogue officiel des oeuvres de Beethoven, puisqu’elle fut tout d’abord attribuée au comte lui-même. La supercherie fut révélée en 1832 et elle fait désormais du catalogue des oeuvres non numérotées par le compositeur lui-même : Werke ohne Opuszahle –WoO 1-. Il s’agit d’une bluette courte d’une petite dizaine de minutes sans aucune prétention, mais intéressante parce qu’elle annonce, dans sa ritournelle, le final de la symphonie « Eroica » ;

 


• on retrouve ce même thème dans la septième contredanse, de manière encore plus reconnaissable, dans les douze contredanses WoO 6, composée en 1801, soit 3 ans avant l’achèvement de la symphonie « Eroica ». Là encore, il s’agit d’oeuvrettes de circonstance, que le compositeur lui-même jugeait de peu d’importance et dédaignait ostensiblement. Beethoven reprendra encore ce thème dans la plus série –à mes oreilles au moins– de variations pour piano opus 35, dites Variations Eroica » ;

 

• je n’avais plus écouté cette version de la symphonie « Eroica » depuis des lustres, mais j’en avais gardé un très bon souvenir. En fait, une écoute attentive me confirme que c’est encore mieux que dans mes meilleurs souvenirs : voilà une version en mode rouleau-compresseur, aux magnifiques sonorités, très vive et hyper-virtuose ! Un grand moment !

,

Playlist « bleu-blanc-rouge du 11 novembre »

/ / Laisser un commentaire / Au jour le jour, Musique

Aujourd’hui, 11 novembre oblige, la playlist sera patriotique ou ne sera pas ! Je continue à faire le tour de mon fond de discothèque, et, notamment, des coffrets anthologiques répertoriés sans trop de détail dans ma base de données sous la forme [Anthologie X_Artiste –chef ou orchestre ou soliste…– – Compositeurs divers] : le meilleur moyen, en définitive, de ne plus exactement savoir de quoi est composé précisément chacune de ces anthologies… C’est le cas, en particulier, du premier album du jour –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand– , que je n’ai dû écouter qu’une et une seule fois depuis l’achat du coffret consacré à Paul Paray, dont je vous entretenais il y a peu.


On retrouve donc dans cette playlist :

• Un «pot pourri» d’extraits orchestraux d’opéras de compositeurs français du XIXè siècle –***–
• La symphonie de César Franck –*****–
• La troisième symphonie avec orgue de Camille Saint-Saëns –*****–

Le premier disque s’écoute avec plaisir malgré son caractère hétéroclite et composite. Les deux symphonies, quant à elles, sont de belles réussites, clairement architecturées et brillamment exécutées : des versions que je n’hésite pas à placer parmi les meilleures, pour ces deux oeuvres bénéficiant d’une fort abondante discographie.

, , , ,

Un jour, un album – Glière, symphonie n°3 « Ilya Murometz »

/ / Laisser un commentaire / Un jour - Un album

C’est dimanche, et, cependant, pas d’opéra, mais une oeuvre portée par une narration aussi épique et imagée que bien des opéras fantastiques ! La Symphonie n°3 en si mineur, Ilya Murometz (opus 42) de Reinhold Glière, est une fresque symphonique de grande ampleur, en quatre mouvements, basée sur la légende de l’un des héros les plus célèbres des contes russes : Ilya Murometz.
Dédiée à Glazounov et créée en 1912, peu ou prou à la même époque que le « Poème de l’extase » de Scriabine ou la deuxième symphonie de Rachmaninov, de grande ampleur également, cette œuvre de plus d’une heure qui convoque un orchestre mahlérien assez gigantesque est imprégnée de thèmes folkloriques et de mélodies slaves qui évoquent des paysages sonores épiques et mystérieux.

Reinhold Glière s’inspire du folklore russe, particulièrement des récits épiques connus sous le nom de «bylines», pour illustrer le parcours héroïque d’Ilya Murometz, chevalier légendaire, sorte de synthèse entre Siegfried et le roi Arthur, qui devient un symbole de la bravoure et de la force dans la culture slave. La musique de Glière dans cette symphonie est descriptive, riche en textures orchestrales et évoque autant la puissance que la magie. La version écoutée ce jour est superbement enregistrée et interprétée sans coupures.
Je vous avais déjà présenté rapidement cette symphonie ici ou là, mais les seules versions que je connaissais étaient certes de qualité, mais exécutée avec moulâtes coupures, l’oeuvre étant sérieusement « raccourcie » et adaptée à la durée d’un LP dans ces deux albums –cliquer sur les imagettes de droite pour les voir en plus grand-.
La symphonie, en quatre mouvements, dépeint donc quatre moments de la vie du bogyatir Ilya Murometz.

1. Ilya Murometz et Sviatogor
Le premier mouvement est une introduction majestueuse au personnage d’Ilya Murometz. Au début, Glière dépeint la faiblesse initiale du héros, cloué au lit par la maladie. Les cordes basses et les cuivres sombres créent une atmosphère pesante. Puis, un thème héroïque apparaît, soulignant le miracle qui rend sa force à Ilya. Ce thème devient central, représentant la puissance retrouvée d’Ilya. Glière utilise ici des modulations et des changements de dynamique pour illustrer la progression du héros. La rencontre avec Sviatogor, un autre héros, est marquée par des cuivres éclatants et un crescendo, symbolisant l’échange de force entre les deux.

2. Le Rossignol-Brigand
Dans le deuxième mouvement, Glière crée une atmosphère sombre et mystérieuse. Ce mouvement est dominé par des bois et des cordes dissonantes, simulant l’atmosphère inquiétante de la forêt où rôdent des créatures hostiles. Les rythmes irréguliers et les motifs saccadés peignent la violence et le danger. Ilya doit affronter et déjouer les créatures de la forêt. L’orchestration dense et la tension harmonique traduisent parfaitement cette atmosphère. Glière, un peu à la manière de Wagner, joue avec les timbres de l’orchestre pour évoquer la sauvagerie de la forêt, créant une tension dramatique qui montre la persistance et la bravoure d’Ilya.

3. À la Cour de Vladimir le Grand
Le troisième mouvement est plus festif et évoque un contraste avec les précédents, représentant l’arrivée d’Ilya à la cour du Prince Vladimir. Glière utilise ici des fanfares et des danses folkloriques, et l’orchestration est plus légère, avec des sections de cordes et de bois qui introduisent des mélodies gracieuses et festives. Ce mouvement, où l’on ressent l’influence de Borodine et de Rimsky-Korsakov notamment, illustre aussi l’interaction entre Ilya et les autres personnages de la cour, illustrée par des variations thématiques et des échanges entre les différents instruments de l’orchestre. Ce passage donne un moment de répit, avec des harmonies chaleureuses et des rythmes dansants, avant de plonger dans le mouvement final.

4. La Bataille avec les Tugarins et la Transformation d’Ilya
Le dernier mouvement est l’apogée de la symphonie et la bataille finale entre Ilya Murometz et les forces maléfiques incarnées par les Tugarins. Les percussions et les cuivres sont ici omniprésents pour symboliser la fureur de la bataille, avec des rythmes militaires et des accords puissants. Glière juxtapose des thèmes de bataille avec le thème héroïque d’Ilya pour créer un contraste entre le bien et le mal. La bataille est intense, avec des accélérations et des crescendos. Finalement, Ilya triomphe, mais son triomphe est empreint de mysticisme : la musique s’évanouit progressivement, suggérant la transformation du héros en une figure mythique et éternelle. Glière conclut sur une harmonie suspendue, laissant un sentiment de légende et de mystère.

Au final, la Symphonie Ilya Murometz est une œuvre impressionnante, non seulement par sa durée mais par sa richesse thématique et orchestrale. Elle a été bien reçue à sa création et reste un témoignage de la capacité de la musique à transmettre des récits épiques.

,

Playlist franco-française aux Etats-Unis

/ / 2 commentaires / Musique

La playlist du jour permet me permet de découvrir un peu mieux des compositeurs français de la seconde moitié du XIXè siècle ou de la première moitié du XXè siècle : Ernest Chausson, Emmanuel Chabrier et Jacques Ibert. Cette période est tellement écrasée, en France, par Debussy, Ravel et, dans une moindre mesure sans doute Saint-Saëns, qu’on a quelque peu tendance à les oublier un peu. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

• Emmanuel Chabrier – Anthologie orchestrale
• Ernest Chausson – Symphonie en si bémol majeur
• Jacques Ibert – Escales

Dans cette liste très variée, l’oeuvre qui me semble la plus réussie et intéressante est la belle symphonie d’Ernest Chausson, d’inspiration très wagnérienne et assez proche dans l’esprit, me semble-t-il, de celle de César Franck.

Ces trois albums font partie d’une anthologie en deux volumes consacrée à Paul Paray, chef français très estimé de ses pairs contemporains –et notamment Toscanini– qui s’exila aux Etats-Unis durant la seconde guerre mondiale et dirigea durant une petite dizaine d’année l’orchestre symphonique de Detroit –ville très prospère à cette époque– qu’il avait largement contribué à améliorer, jusqu’à faire l’un des meilleurs orchestres américain. Avant son exil volontaire, il était déjà très réputé en France, où il créé, notamment un certain nombre d’oeuvres, dont les « Escales » de Jacques Ibert –cf. troisième album du jour-. Par ailleurs, Paul Paray fut un compositeur relativement prolixe avant la guerre, loué notamment par Fauré.
A Detroit, il enregistra de très nombreux disques, en particulier dédiés aux compositeurs français, et eut la chance de bénéficier d’excellentes conditions techniques grâce aux techniciens du label Mercury : ces enregistrements, très bien remastérisés, ne portent guère leur âge.

, ,

Playlist « Retraite à l’américaine ».

/ / Laisser un commentaire / Au jour le jour, Musique

Parmi les derniers cadeaux que l’on m’a offerts pour ma retraite, qui commence officiellement demain, ces deux coffrets consacrés au chef d’orchestre allemand naturalisé américain William Steinberg figurent en bonne place et une partie de leurs contenus composent la playlist du jour. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Ces deux coffrets, très bien réédités et aux livrets courts mais intéressants –anglais et allemand seulement, comme cela semble devenir une norme désormais…– viennent compléter la volumineuse anthologie parue chez EMI dont je vous ai déjà entretenu ici ou là. A ce jour, je n’ai pas encore entamé l’écoute du coffret proposé par RCA et présentant des enregistrements enregistrés durant le court mandat du chef à Boston. Par ailleurs, je possédais déjà une partie du coffret « The Complete Command Classics Recordings », à savoir les symphonies de Beethoven –l’une de mes intégrales préférée-, présentée ici, ou celles de Brahms –magnifique deuxième symphonie-, évoquées là : ces deux coffrets trouveront facilement preneurs, je sais déjà à qui les donner !
Tous les enregistrements ont été réalisés dans les années 60 sur des bandes magnétiques de 35mm, à l’instar de ceux enregistrés pour la collection « Mercury Living Présence » et sont de très grande qualité, et généralement meilleurs que ceux alors réalisés en Europe. L’orchestre de Pittsburgh s’avère par ailleurs tout-à-fait excellent. Hormis les Beethoven et Brahms sus-cités tout le reste du contenu m’était inconnu, et j’ai déjà découvert avec plaisir –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand– :

• la 7ème symphonie de Bruckner –enregistrée aussi tôt qu’en 1963– dans une version narrative, nerveuse, dynamique et d’une grande virtuosité. C’est vraiment très réussi, et très différent aussi de nombreuses versions européennes, et les cuivres de l’orchestre de Pittsburgh sont remarquables. ***** Le disque est notamment complété par une très rare –et que je ne connaissais pas– « Ouverture en sol mineur », oeuvre aussi anecdotique et mineure que sa tonalité, composée en 1862, soit avant qu’il n’écrive la moindre symphonie : c’est dispensable à mes oreilles…
• Tchaïkovsky : « Casse-Noisettes », suite pour orchestre. C’est vif, acéré et enjoué. Une belle réussite pour cette oeuvre très populaire et d’accès facile ! *****
• Une série de compositeurs américains du 20ème siècle, au premier rang desquels Gershwin et Copland : je n’ai guère de repères dans cette musique, mais leur écoute s’est révélée très plaisante, même si je n’y reviendrai pas trop souvent sans doute. ***

A partir de demain, il mes restera beaucoup de temps pour découvrir tout le reste de ces deux petits bijoux !

, , , , ,
Retour en haut