Bon. Voilà où nous en sommes : l’énigme proposée ici a eu son lot de réponses intéressantes, qui ont fait avancer un peu le propos, mais qui n’ont pas permis, à ce jour, de trouver la solution. On sait déjà :
• qu’il s’agit d’un musicien français
• qu’il faisait partie des vingt-quatre violons du Roy;
• la période a été à peu près située : je vous apporte un indice supplémentaire : l’œuvre a été créée en 1737, une introduction y fut ajoutée quelques temps après;
• que pour certains -essentiellement : moi-, ça peut ressembler à du Bizet
• et, en guise de second indice, vous trouverez la gravure tronquée d’un portrait du musicien en accompagnement de cette notule : c’est Byzance presque Noël : si je mettais le portrait entier, ce serait trop facile, il n’en existe pas des douzaines non plus…

Edit tardif : pour illustrer ce que peut être une version HIP, voici un petit exemple sonore. Il s’agit d’une pièce très célèbre du « plus grand musicien anglais » qui était né allemand et usita longtemps d’un style italien 😉 : Georg-Friedrich HANDEL. La première version, de 1967, est totalement hors style selon les canons actuels –elle reçut pourtant de très bonnes critiques dans la revue des discophiles anglais, qui restèrent très bonnes lors de sa récente réédition -les anglais sont parfois déroutants…-. La seconde est l’une des premières versions HIP et date du milieu des années 80, elle est souvent citée comme une référence. J’aurais dû commencer par là lors de ma notule précédente…
• Version 1 :

• Version 2

Actuellement, le style interprétatif a encore évolué, puisqu’on tend désormais vers cela :

Aujourd’hui, je vous invite à comparer deux versions HIP –ça ne veut pas dire qu’il faut avoir bu quelques dizaines de litres de vin chaud pour les apprécier, mais que ce sont des versions du type « Historically informed performance ». En France, par souci de simplification, et parce qu’au début, les doutes et les railleries allaient de pair, on dirait des versions interprétées par des « baroqueux »-.

Bref, ça veut simplement dire que pour des musiques un peu anciennes, en gros jusqu’à Mozart, les interprètes se sont livrés à une étude de la partition en tenant compte de ce que l’on sait des habitudes de l’époque, en allégeant, parfois considérablement, les effectifs et en utilisant des instruments d’époque.

Cela a permis, en particulier, de faire émerger des répertoires parfois un peu oubliés, de populariser à nouveau des musiciens que l’on avait couverts de poussière à force de les déformer –le matériau musical supporte pas toujours une interprétation par un grand orchestre symphonique si la partition ne le prévoyait pas-. Mais, en matière de transcription d’une partition, même si on est HIP, on peut voir les choses de manières très différentes, et l’évolution, même sur une courte durée, est parfois très significative.

Ainsi, la première version de l’oeuvre, par un orchestre anglais justement réputé, date de 1978, presqu’au début de la renaissance « baroqueuse ».

La seconde est beaucoup plus récente : elle date de 2010, et le courant baroque a essaimé dans toute l’Europe. L’orchestre est allemand.

Quant à l’oeuvre, je reste persuadé qu’elle a déjà résonné ici ou là à vos oreilles. C’est d’un musicien français, c’est de la musique descriptive et… je ne vous en dirai pas plus à ce stade, je vous laisse deviner un peu, sur la base de cet indice :

[spoiler]Ce musicien, français, faisait partie des Vingt-Quatre Violons Du Roy[/spoiler]

Courte, toute courte, cette playlist : semaine chargée par ailleurs, les frimas de l’hiver se confirment : il a fallu gratter les vitres au moins une fois, le matin…

Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand.

Entre autres, cette semaine… –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

On imagine toujours le monde de la musique classique comme un univers policé, où règne la plus extrême courtoisie, le respect et des rapports humains dépassionnés… C’est plutôt faux, en fait, c’est un monde dur, où l’esprit de compétition est exacerbé –au moins en France, avec le système de formation hyper-sélectif en place dans les conservatoires– et où les jalousies et les vacheries ne manquent pas et sont l’occasion de bons mots…

J’en veux pour preuve le chef roumain Sergiu Celibidache, reconnu plutôt sur le tard -au moins par le « grand public »-, qui avait connu un début de carrière plutôt prometteur en remplaçant temporairement le grand Furtwängler à la Philharmonie de Berlin après la seconde guerre mondiale. A la mort de ce dernier, il pensait être désigné comme son successeur, mais l’orchestre choisit de lui préférer Karajan, qui resta à la tête de l’orchestre les 34 années qui suivirent -1955/1989-.
Celibidache, assez aigri pour le reste de sa vie, se construisit une réputation de gourou, fondée sur la philosophie zen et un discours sur la musique très personnel. Ses « leçons » passaient par une forte humiliation de ses élèves, qui l’aimaient d’autant plus qu’ils étaient plus copieusement agonis d’injures, et le regard qu’il portait sur ses pairs était sans concession… Voilà ce qu’il pensait d’eux, et qu’il livra dans un article célèbre du journal « Der Spiegel ».

• Arturo Toscanini : « une usine à notes »; • Herbert Von Karajan : « ce n’est pas de la musique, c’est du coca-cola : ou bien les gens sont tous sourds, ou bien c’est un excellent homme d’affaire »; • Karl Böhm : « un sac de patates, qui n’a pas dirigé une seule mesure de musique dans toute sa vie »; • Hans Knappertsbusch : « un scandale, anti-musical comme c’est pas permis »; • Claudio Abbado : « un grand ignorant, dépourvu de la plus infime once de talent, une torture »; • Leonard Bernstein : « il ne fait pas partie de mon univers »…

La semaine suivante, le grand Carlos Kleiber, l’un des chefs les moins bavards et parmi les plus talentueux de la fin du 20ème siècle, une véritable légende vivante, d’une élégance racée et adoré par les orchestres, adressait au même Spiegel une réponse, signée, en direct du Paradis, Arturo Toscanini. En voici une traduction –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand– :