Bilan 2019•3 – Coups de coeur – Classique

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Nous en arrivons donc à l’avant-dernière livraison de ce bilan discographique 2019, consacrée aux CD de musique classique pour lesquels j’ai éprouvé un vrai coup de coeur cette année ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

On retrouve dans cette liste :

• Les sonates pour piano de Beethoven par Artur Schnabel, enregistrées dans la première moitié des années 30 –cf. extrait 1-. J’ai suffisamment insisté dans les notules précédentes sur la qualité des restaurations effectuées par ce label pour ne pas y revenir… C’est très supérieur à toutes les éditions antérieures parues chez EMI puis Warner. Et comme l’interprétation est formidable et assez intemporelle, cette collection de 10 CD –l’éditeur a rajouté des séries de variations– a une valeur inestimable ! 

• Une magnifique version du non moins magnifique concerto pour violoncelle d’Elgar –cf. extrait 2-, complété d’une oeuvre plus rare de Gustav Holst, « The Fall Of The Leaf », et du beau concerto pour violoncelle de William Walton, composé en 1956. La prise de son est tout-à-fait bonne de surcroît !

• Des opéras : « Les diables de Loudun », de Penderecki, inspiré par une histoire vraie dont vous trouverez les tenants et les aboutissants ici : l’un des opéras les plus réussis de la seconde moitié du vingtième siècle selon mes oreilles, même s’il n’est pas d’un accès facile pour des auditeurs souhaitant découvrir l’opéra –cf.extrait vidéo ci-dessous– ! Et une très belle version du « Ring des Nibelungen » –encore !!!– de Wagner, que j’ai longtemps cherchée. Le coffret n’est plus édité, mais c’est sans doute la meilleure version parue depuis le début des années 80, du moins pour ce qui me concerne : belle direction, très narrative, et chanteurs très investis dans leurs rôles –il s’agit d’un enregistrement public-.

• J’ai beaucoup apprécié aussi cette version de la treizième symphonie « Babi Yar » de Chostakovich par son créateur, Kyrill Kondrashin, enregistrée peu de jours après sa création mouvementée : pour tout savoir à ce propos, vous pouvez lire cet article synthétique qui résume le pourquoi du comment… Quant au poème d’Yevtuchenko qui servit de support à cette symphonie, vous pouvez le lire ici.

• Les lecteurs les plus anciens de ce blog connaissent mon engouement pour Handel et ses oratorios. Le chef anglais John Eliot Gardiner en enregistra une assez large somme au début des années 80, et, parmi ceux achetés en début d’année, « Solomon, fondé sur trois épisodes de la vie du roi Salomon –couronnement – Jugement – Reine de Saba– est celui que j’ai préféré. Très belle version, superbement dirigé, magistralement chantée –solistes et, surtout, choeurs-, dotée d’une prise de son remarquable !

• Enfin, le coffret anthologie de 8 CD vendu à prix fracassé et consacré à la seconde école de Vienne –Berg, Schönberg, Webern– par le chef italien Giuseppe Sinopoli est à recommander absolument pour qui veut découvrir ou approfondir ces oeuvres : le chef joue à fond le jeu d’un expressionnisme post-romantique qui sied admirablement à ces oeuvres ! Un vrai beau coup de coeur ! 

Strasbourg, capitale de Noël et de l’opéra… et une devinette !

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En me promenant au Marché de Noël, dimanche après-midi, sous un pâle soleil hivernal, je flânais près de chez l’ex-plus grand disquaire de France, où est apposée cette plaque commémorative de la « petite histoire de la grande musique » : la rencontre eut lieu là où se tenait, dans le temps, le salon réservé au rayon haute fidélité -appareils de haut de gamme essentiellement-. –Cliquer sur l’imagette pour la voir en plus grand et lire ce qui y est inscrit-.

Traversant ensuite le marché de Noël « historique » de la place Broglie –prononcez [bRogli] et non pas, pour je ne sais quelle raison [bRœj], au risque de passer pour un drôle de snob-, densément peuplée de badauds et autres touristes venus déguster quelques verres de vin chaud, j’arrivais devant l’opéra, où je tombais sur cette grande affiche : l’opéra national du Rhin est « sacré » opéra de l’année par le jury du magazine Opera Welt –jury composé d’une cinquantaine de journalistes internationaux spécialisés dans le domaine de l’opéra-, à la fois pour son ancrage régional et européen et pour sa programmation qui cherche et encourage le dialogue entre époques et cultures différentes. –Cliquer sur l’imagette pour la voir en plus grand-.

Comme du coq à l’âne, j’en arrive à la devinette, qui est en réalité tout-à-fait en lien avec ce qui précède dans cette courte notule. Qu’est-ce qui a longtemps lié Richard Strauss, son opéra Salomé et l’opéra de Strasbourg ?

A vos claviers !

Un dimanche à l’opéra, encore…

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Très belle journée passée à l’opéra, même si l’accès au fauteuil, face à la scène, est compliqué du fait du capharnaüm qui règne ici…

Et très belle interprétation du Parsifal de Wagner, vive mais poétique, dans une très belle restauration sonore, qui rend cette version tout-à-fait plaisante à écouter -les précédentes rééditions de cette version ancienne étaient plus aléatoires en la matière-.
L’extrait ci-dessous devrait vous convaincre de la pertinence de ce travail –la méthodologie est détaillée et accessible en suivant le lien ci-après-, réalisé, qui plus est, par un éditeur français ! Le Ring, chez le même éditeur, a été pareillement embelli et rajeuni : c’est un vrai bonheur !

Clemens Krauss ne dirigea qu’une seule année à Bayreuth –en 1953-, mais eût-il vécu plus longtemps –il est mort en mai 1954, soit avant l’ouverture du festival de 1954– qu’il en serait devenu un vrai pilier, tant les  prestations qu’il y donna sont mythiques : un « Ring » d’anthologie –et, pour moi, le plus beau de tous– et, donc, ce Parsifal, avec presque la même équipe que Knappertsbusch deux années auparavant –autre version souvent citée en référence-, mais dans une optique toute autre : certes, le caractère sacré de l’oeuvre n’y perd rien, mais sans le côté « Grand’Messe solennelle » qu’on peut entendre dans tant de versions étirées jusqu’à  l’extrême l’absurde –.

Rien de tout cela ici, et heureusement à mon avis : nous sommes bien au théâtre, et les chanteurs, tous presque vétérans de leur rôle et dotés d’un vrai sens de la déclamation dans un allemand impeccable, sont portés par cette direction claire et lumineuse, vive -environ 3h45, contre près de 4h45 pour les versions le plus lentes : et pourtant, l’oeuvre n’y perd rien, tant la gestion du temps et de la tension est idéale ici-, remarquablement narrative !

Un beau dimanche à l’opéra, donc !

Dimanche matin à l’opéra…

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Un petit détour dominical –et matinal– vers deux opéras du vingtième siècle, dégottés pour une bouchée de pain –moins cher que deux baguettes– dans des bacs d’invendus fortement bradés : l’opéra « contemporain » doit encore faire en peu peur au tout-venant…

• « Les Diables de Loudun » raconte l’histoire des diables de Loudun, incroyable mais vrai !
Pour tout comprendre à cette sombre machination politique organisée par Richelieu sur fond religieux de chasse aux sorcières dans la France profonde du début du XVIIème siècle, vous pouvez vous rendre ici.
L’enregistrement, réalisé en 1970 à la suite des premières représentations –création à Hambourg en 1969, avec un autre chef, moins connu que lui du présent enregistrement-, qui existent également en vidéo et ont été publiées en DVD.
Très bonne analyse de cet opéra à lire ici, et, plus succincte, ici.

• Je ne vous présente plus le « Wozzeck » d’Alban Berg, opéra poignant entre tous, et qui est l’un de mes opéras préférés, voire peut-être mon préféré.
Très belle version enregistrée « sous le manteau » en 1970, sous la direction d’un juvénile Carlos Kleiber, qui n’était pas encore la star absolue –et capricieuse– qu’il devint ensuite, mais s’inscrivait déjà dans les traces de son père –qui fut créateur de l’oeuvre en 1925-. Très bien dirigé, très bien chanté – et pourtant, hors Theo Adam, qui interprète Wozzeck, on ne retrouve aucun grand nom du chant lyrique dans cette version-, et tout-à-fait convenablement enregistré : un très beau moment !

Achat coup de coeur

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Comment, encore un Ring, me direz-vous !?! Oui, mais pas n’importe lequel, vous répondrai-je ! Celui-ci, je souhaitais me l’offrir depuis des années, mais, suppression du catalogue de longue date oblige, il était vendu à des prix prohibitifs sous cette forme, ou bien recyclé dans un coffret compilant l’ensemble des opéras de Wagner qui n’est plus disponible non plus depuis quelques semaines. Finalement, je l’ai trouvé en occasion à un pris très convenable et en excellent état, loin des tarifs exorbitants affichés sur les boutiques en ligne, et je n’ai pas hésité trop longtemps pour me jeter dessus !

Une belle leçon de direction –fluide, vive, poétique, très narrative et assez proche de Kempe en définitive– et de bons chanteurs en général –un beau Wotan, notamment, qui fait, à lui seul, tout le prix de cet album, une Brünnhilde qui est la meilleure d’une chanteuse que certains (ce n’est pas mon cas : j’en préfère beaucoup d’autres) placent assez haut dans leur estime pour ce rôle difficile, un excellent Alberich et un honnête Siegfried…-, le tout dans une prise de son de concert très naturelle, respectueuse des timbres et de l’équilibre entre fosse et scène : de loin le meilleur Ring enregistré dans les années 80.

Initialement, tout cela était sorti en LaserDisc vidéo –qui se souvient encore de ce support ?-, mais, curieusement, ce Ring ne fut jamais repris en DVD : on en trouve de larges extraits sur la toile, qui attestent d’une scénographie oscillant entre le traditionnel et le plus expérimental, jamais désagréable, mais jamais édifiant non plus. J’aime beaucoup, cependant, le décor du Walhall dans la Walkyrie.

Bref, un véritable achat « coup de coeur » en cette période de disette discographique : j’ai acheté très peu de disques depuis le début de l’année.

Playlist « Vieilles cuirasses »

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Entamée très tôt ce matin, l’écoute d’une très ancienne version du « Crépuscule des dieux » de Wagner –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand, vraisemblablement la plus ancienne version intégrale ?-, enregistrée à Bayreuth pendant la guerre en 1942,  me renvoie vers les mises en scène pleines de cuirasses en fer blanc et autres casques ailés ! Et vers des voix dont l’ampleur de la déclamation semble avoir désormais disparu de nos interprétations plus récentes depuis bien longtemps ! Ça faisait longtemps que je n’avais plus approché cette version, et j’y redécouvre de vrais trésors :
• l’orchestre de Bayreuth, à cette date, est mieux en place que dans l’immédiat après-guerre, lors de la réouverture du « Neues Bayreuth »; en revanche, le choeur est assez rustique;
• le chef, Karl Elmendorff, est excellent, quoi que bien oublié de nos jours ! Très expressif et connaissant visiblement l’oeuvre sur le bout des doigts –un vrai sens de la narration– il gère très bien la tension tout au long de l’oeuvre. Sa « Marche funèbre » est l’une des meilleures que je connaisse –une « lente déploration », comme le voulait Wagner, et qui retrouve tout son sens enregistrée sous la fosse, cf. l’extrait proposé-;
• c’est, à ma connaissance, le seul enregistrement où l’on peut entendre les cors spécialement créés pour cette oeuvre dans l’appel des vassaux, et qui furent détruits à la fin de la guerre; ils émergent complètement de la masse orchestrale coincée sous la fosse de manière totalement adéquate, et la perspective reste impressionnante malgré l’âge de la prise de son !

Quant aux chanteurs, l’impression est globalement favorable -déjà parce que la maîtrise de la langue, la diction et la prosodie sont parfaites, ce qui n’est pas rien dans Wagner…-, malgré quelques pailles ponctuelles :
Martha Fuchs –cf. photo à droite, anti-nazie notoire, on se demande comment elle fut autorisée à se produire en Allemagne durant la guerre-, une excellente Brünhilde d’avant-guerre en Allemagne, est tendre et poétique, mais la grande scène de l’immolation finale la trouve fatiguée et presqu’exsangue, très en difficulté avec ses aigus malgré un investissement indéniable et une réelle volonté de chanter plutôt que de s’époumoner. Néanmoins, une de mes Brünhilde préférées, après Astrid Varnay –mais d’aucuns vous diront que j’ai des goûts bizarres, ou datés, voire contestables !-.
Svet Svanholm est bien meilleur en Siegfried à cette date que dans les productions d’après-guerre assez bien documentées que l’on connaît de lui et il en va de même pour Frederick Dahlberg, globalement excellent dans le rôle du vilain Hagen.

En définitive, un excellent « Crépuscule des Dieux », dont je m’étonne qu’il soit si rarement cité –à ma connaissance au moins– parmi les « versions de référence » ! D’autant qu’eu égard à l’époque, l’enregistrement est étonnamment bon !
Historiquement, en tout cas, il est important pour comprendre l’évolution de l’histoire du chant et de l’interprétation des opéras de Wagner.

Un dimanche matin à l’opéra (rock)

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A peine tombé du lit à une heure presqu’inavouable, et après voir pris ma dose de caféine matinale –un double expresso comme chaque jour-, c’est à un opéra-rock que j’ai consacré mon temps jusqu’ici ! Et pas n’importe lequel, puisqu’il s’agit du tout premier, dans ce genre fort peu prolixe : « Tommy », by The Who. -Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Pendant longtemps, j’avais laissé cet album en jachère, préférant, et de loin, la version « avec coupures » que les Who jouaient en live à l’époque de leur tournée 1970-1971, et dont on retrouve désormais trace dans l’excellent « Live At Leeds » en édition Super Deluxe.

Cependant, je voulais redonner une chance à la version « officielle » de cet opus, paru en 1969. Finalement, j’ai bien fait ! Tout n’est pas génial dans cet album, mais la construction musicale en est très réussie, malgré les invraisemblances du « livret » et quelques longueurs ici ou là. L’ensemble est réellement conçu comme un « vrai » opéra, avec une ouverture, un interlude purement orchestral, une vraie progression dramatique et un final en apothéose –cf. extrait ci-dessous-. Musicalement, c’est souvent très réussi –avec quelques « airs » qui constituent de vrais points forts, comme « Pinball Wizzard », « The Acid Queen » ou encore « I’m Free »– et fort bien interprété, avec, en particulier, un John Entwistle qui tient prodigieusement la baraque harmoniquement –et a orchestré les ponctuelles parties de cuivres– et un Roger Daltrey au sommet de sa forme vocale.

Bref, près de 50 ans après, l’album porte plutôt bien son âge et s’écoute plus facilement que l’autre opéra-rock du groupe, « Quadrophenia », au livret pourtant plus vraisemblable.

Soirée à l’opéra avec -l’autre- Richard

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Hier soir, rentrant relativement tôt d’une courte et plutôt festive journée de travail, il me restait assez de temps pour égayer ma soirée avec deux opéras de Richard Strauss, cataclysmiques mais pas très longs : Salomé, sur un livret d’Oscar Wilde, et Elektra, sur un livret d’Hugo Von Hofmannstahl. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Composés quasiment à la suite l’un de l’autre, ils donnent à entendre une orchestration foisonnante, riche en petits détails, et des personnages paroxystiques. J’ai eu la chance de les voir, l’un et l’autre il y a quelques années,  dans de belles mises en scène –Salomé a très souvent été joué à l’opéra de Strasbourg, où il est « libre de droit » depuis sa création, puisque Strauss en fit cadeau « à la maison »-.

Les écouter l’un à la suite de l’autre, en se ménageant un petit entracte, n’est pas plus long qu’écouter un seul opéra de Wagner. En revanche, c’est plus assurément plus épuisant, tant ces oeuvres sont tendues et haletantes  !

Playlist avec un M

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Pour une fois rentré à une heure raisonnable eu égard à mes retours plutôt tardifs de ces derniers jours, j’ai eu le temps de bâtir une petite playlist, composée de trois albums courts et d’un opéra, dont la caractéristique qu’ils partagent tous est que leur titre commence par la lettre M. –Cliquer sur l’image pour la voir ne plus grand-. Le choix, pour le coup, était large, mais choisir, c’est aussi éliminer…

L’opéra dont il est question est « Mathis der Maler », de Paul Hindemith, dont j’ai déjà eu l’occasion de vous parler ici ou là sur ce blog. Pas toujours facile d’accès hors ses extraits les plus célèbres –les pages orchestrales qui ouvrent chacun des trois actes-. Le livret, librement inspiré de la vie du peintre Mathias Grünewald,, est cependant bien construit et interroge la place de l’artiste dans la société et face aux institutions détenant le pouvoir. J’aime beaucoup cet opéra, malgré son austérité.

Les trois autres albums sont beaucoup plus courts, et tous issus de la première moitié années 80.

« MCMLXXXIV », de Van Halen, est paru, comme son nom l’indique, en 1984. Outre qu’il vient rappeler que le système de numération des Romains était tout sauf simple, il contient le hit majeur de cette année-là, « Jump », qui fit le tour de la planète et trusta la première place de la majorité des charts. Hors ce morceau plein de bonne humeur, l’album est assez moyen…

En revanche, « Mistaken Identity » de Kim Carnes, sorti en 1981, s’écoute encore agréablement aujourd’hui, et bien au-delà du carton que connut la chanson « Bette Davis Eyes ». Une voix attachante, un peu rauque, et de chouettes mélodies très bien arrangées. Une petite bouffée de pop rafraîchissante !

Pour finir, « Mesopotamia » de B52’s prolonge ce moment de très bonne humeur : certes, ce court album, paru en EP en 1982, se contente d’appliquer les recettes qui avaient si bien fonctionné lors de leur tout premier album éponyme, mais ça reste un vrai bain de jouvence : exactement ce qu’il faut pour bien poursuivre la semaine !

Playlist « Première mondiale » du petit matin

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Tomber du lit dès l’aube, cela m’arrive assez régulièrement. Mais tomber du lit dès l’aube pour profiter tranquillement de la découverte d’une version alternative de l’un de mes opéras préférés, c’est beaucoup plus rare ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.

Les lecteurs réguliers de ce blog connaissent mon affection particulière pour le sublime « Wozzeck » d’Alban Berg, opéra qui suscite chez tout auditeur normalement doué d’émotions une vraie compassion pour le destin tragique de son héros. La pièce de Büchner, dont il est tiré, est par ailleurs remarquablement construite, et Alban Berg avait eu l’habileté de ne quasiment pas y toucher.

Exactement au même moment, le compositeur Manfred GURLITT composait, sur la même livret, et avec la même idée que toucher à la pièce serait une erreur, une « Tragédie musicale en 18 scènes et 1 épilogue ».
La mise en musique s’inscrit dans la même veine postromantique que celle d’Alban Berg, mais selon une construction a priori moins rigoureuse et plus linéaire –on a presque l’impression, parfois, d’entendre une magnifique musique de film-. Georg Büchner, fortement marqué par l’esprit post-révolutionnaire français, avait souhaité donner à sa pièce une forte composante sociale.
Chez Gurlitt, musicien « gauchiste » et accusé par les autorités nazies de « bolchevisme musical », c’est le choeur qui, en début et en fin de ce court opéra –1h15-, apparaît comme le porteur d’une forme de contestation sociale émergente : l’idée est tout-à-fait remarquable et bien menée, même si la fin, par le coup, est peut-être moins poignante et, surtout, moins glaçante, que chez Alban Berg.

Décidément, je devrais tomber du lit bien plus souvent !

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