Le nouveau challenge jeu à la mode, que l’on rencontre sur de nombreux blogs ou certains réseaux sociaux en ce moment consiste à établir une liste de 9 albums qui ont principalement structuré vos goûts musicaux –c’est en tous cas ainsi que je l’ai interprété pour ma part-, pour en dresser un poster dont vous pouvez choisir le fond –parmi un nombre assez réduit de modèles– et que vous pouvez ensuite télécharger en grand format.
Ce petit défi en ligne est proposé sur le site my9albums –le bien-nommé !-. Voici donc ma liste des 9 albums.
1. La pizza de Detroit, cuite dans des plaques d’acier, à l’image des bacs rectangulaires à bords assez hauts de récupération automobile, Detroit étant la cité américaine championne de la production américaine de voitures, aussi surnommée « Motor City » !
Evidemment, cela n’a plus grand-chose à voir avec une traditionnelle pizza italienne, puisque de la pâte à la garniture, tout est différent, y compris l’ordre dans lequel on incorpore les ingrédients sur la pâte : le fromage en premier, les garnitures ensuite et, pour finir, la sauce tomate !
Résultat : c’est excellent, j’ai vraiment bien aimé, et notamment la pâte épaisse mais hyper-aérée et croustillante ! A refaire, donc ! Une recette parmi d’autres se trouve ici, ça marche aussi très bien dans un four classique, il suffit de pousser la température à fond et d’adapter la durée indiquée. En revanche, la recette de la pâte nécessite d’être suivie à la lettre…
2. La révision totale de la géométrie de ma platine vinyle : suite à l’installation de ma cellule dans un porte-cellule mieux adapté au bras, j’ai dû revérifier totalement la géométrie et l’équilibrage de l’ensemble. A cette fin, j’ai commandé l’équipement minimal pour faire les choses au mieux : une loupe pour installer la cellule dans son porte-cellule, les câbles de connexion étant très fins et l’espace de travail très réduit ; un niveau à bulle pour vérifier que ma platine était effectivement bien horizontale –même si je n’avais pas trop de doute à ce sujet…– ; un gabarit pour vérifier l’angle et le porte-à-faux de la cellule une fois réinstallée ; une petite balance de précision pour obtenir une masse de 2 grammes exactement –le contrepoids d’origine est gradué de manière précise à 0,1 gramme près, maintenant je le sais…– ; et, enfin, une plaque sérigraphiée permettant de vérifier l’horizontalité de la cellule et la perpendicularité du diamant par rapport à la surface du disque.
Une fois cela réalisé, j’ai enfin déposé sur la platine ce petit bijou de vinyle ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
• Jeff Buckley – Grace – 1994 *****
L’unique album studio de cet artiste hyper-doué, excellent guitariste fin et sensible, multi-instrumentiste talentueux et chanteur dont on disait qu’il avait une voix d’ange. Jeff Buclkey, abandonné par son père –le chanteur et guitariste Tim Buckley– avant même sa naissance, aurait eu 60 ans ce mois-ci : il est mort de noyade à 30 ans.
« Grace » est l’un des très grands albums enregistrés dans les années 90. Le disque, oscillant entre intimisme et rock plus percutant, contient notamment sa très célèbre reprise de la chanson « Hallelujah » de Leonard Cohen, arbre qui ne doit pas cacher une forêt enchantée !
Die Meistersinger von Nürnberg –Les Maîtres chanteurs de Nuremberg– est un opéra en trois actes de Richard Wagner, composé entre 1862 et 1867, sur un livret écrit par le compositeur lui-même.
Créé le 21 juin 1868 au Théâtre royal de la Cour de Munich sous la direction de Hans von Bülow –chef d’orchestre très célèbre et pas rancunier, puisque le compositeur lui avait « volé » sa future femme, Cosima, fille de Franz Liszt…-, l’opéra constitue une parenthèse tout-à-fait singulière dans le corpus wagnérien : contrairement aux grandes tragédies mythologiques du compositeur, « Die Meistersinger von Nürnberg » met en scène des personnages bourgeois, des artisans, des artistes de la corporation des maîtres-chanteurs et des habitants de la ville de Nürnberg, au milieu du XVIe siècle.
Son action se déroule donc à Nürnberg –Nuremberg, célèbre pour ses « Organic Lebkuchen », pains d’épice bio tout-à-fait excellents-, ville d’un très grand rayonnement culturel et intellectuel au temps de la Renaissance. Schématiquement, elle oppose deux conceptions de l’art : celle traditionnelle et réglementée, de la confrérie des maîtres chanteurs, défendue par Sixtus Beckmesser, greffier de son état ; et celle, libre, spontanée et novatrice, incarnée par le jeune chevalier Walther von Stolzing. Au centre de l’ouvrage se trouve également Hans Sachs–personnage qui exista réellement-, cordonnier, poète et maître chanteur, figure de sagesse, de générosité et de compréhension artistique.
La version écoutée ce dimanche est celle enregistrée par Herbert von Karajan, entouré d’une solide équipe de chanteurs –de grands noms du monde lyrique allemand de l’après-guerre : Schwarzkopf, Kunz, Edelmann, Hopf, Stolze…-, dirigeant l’orchestre de Bayreuth lors de la réouverture du festival en 1951. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand, il s’agit de la première édition allemande parue en LP-. Le livret intégral, en Allemand avec une traduction française « chantable » et donc pas toujours tout-à-fait exacte littéralement est disponible ici.
De manière très succincte, l’argument de l’oeuvre se présente ainsi : Pogner, riche orfèvre de Nürnberg, promet la main de sa fille Eva au vainqueur du concours de chant organisée par la confrérie des maîtres-chanteurs. Eva est amoureuse d’un jeune chevalier, Walther von Stolzing, qui ne fait pas partie de cette corporation. Avec l’aide de Hans Sachs, cordonnier, il va composer un chant d’un genre nouveau, qui lui permettra de remporter le concours et la main d’Eva, au grand dam de son rival, le greffier Sixtus Beckmesser. • A l’acte I, Wagner oppose la rigidité des conventions à la liberté de l’inspiration. Walther von Stolzing représente le génie spontané, Sixtus Beckmesser le formalisme et Hans Sachs la possibilité d’une synthèse entre tradition et renouvellement. • L’acte II mêle lyrisme amoureux, réflexion esthétique et comédie populaire. Hans Sachs apparaît comme le véritable médiateur de l’action : il protège les amoureux tout en préparant, consciemment ou non, le triomphe d’une conception plus libre de l’art. • Au cours de l’acte III, la victoire de Walther von Stolzing symbolise le triomphe d’un art vivant et libéré des normes et des contraintes, capable de renouveler la tradition sans la détruire. Hans Sachs apparaît comme le personnage central de cette réconciliation.
« Die Meistersinger von Nürnberg » est cependant beaucoup plus qu’une simple comédie sentimentale se terminant par un mariage heureux. Wagner y développe une véritable réflexion sur la création artistique, la transmission du savoir et les rapports entre tradition et modernité. Les trois personnages principaux incarnent trois attitudes face à l’art : • Walther von Stolzing représente l’inspiration libre, la jeunesse et le renouvellement esthétique. • Sixtus Beckmesser incarne le formalisme, l’application mécanique des règles et la peur de l’innovation. • Hans Sachs représente la sagesse artistique, capable de synthétiser l’héritage du passé et les exigences de la création nouvelle. –Cliquer sur l’imagette de droite pour agrandir son portrait-. L’œuvre possède également une dimension profondément humaine : Sachs renonce à son amour –sans doute plus paternel que charnel– pour Eva afin de permettre son bonheur avec Walther. Cette générosité donne au personnage une dimension presque héroïque, mais sans tragédie ni sacrifice spectaculaire.
Sur le plan musical, Wagner réalise une synthèse remarquable entre la grande forme symphonique, les ensembles vocaux, les scènes populaires et les développements dramatiques. L’orchestre joue un rôle essentiel dans la caractérisation des personnages et dans la continuité de l’action. Le prélude –extrait 1-, le quintette de l’acte III, la chanson du prix, les deux monologues de Hans Sachs et le chœur final –extrait 2– comptent parmi les pages les plus célèbres de l’ouvrage. En définitive, Les Maîtres chanteurs de Nuremberg célèbrent la possibilité d’un art nouveau qui ne renie pas son passé : la tradition n’est véritablement vivante que lorsqu’elle demeure capable d’accueillir l’innovation créatrice.
La version de ce jour est historique –cliquer sur l’image pour la voir en plus grand : il s’agit de la réédition française en LP parue en 1983– et parut initialement en un volumineux coffret de 34 disques 78 tours chez EMI-Columbia !
Elle a été enregistrée sur la colline de Bayreuth lors de la réouverture du théâtre après la seconde guerre mondiale, durant l’été 1951, et bénéficie de conditions techniques très convenables eu égard à ses conditions d’enregistrement. Quasiment tous les chanteurs qui officiaient au festival bavarois avant ou durant la guerre y sont plus ou moins proscrits, imposant la constitution de nouvelles équipes : c’est le Neues Bayreuth, repris en main par les deux petits-fils de Wagner, Wieland et Wolfgang, qui expurgent les mises en scène et les décors encore issus de la fin du 19ème siècle, sauf pour « Les Maitres-Chanteurs de Nuremberg », mis en scène de manière encore très traditionnelle en 1951 et 1952 par Rudolf Hartmann, et dont la rénovation ne fut entreprise qu’en 1956 par Wieland Wagner. A partir de 1953, une équipe assez restreinte de chanteurs revint chaque été pour la durée du festival, mais en 1951 et en 1952, cette équipe n’était pas encore définitivement établie : c’est le cas pour cet enregistrement, où l’on trouve des artistes qui, ensuite, ne seront plus sollicités.
Les chanteurs de cette version s’avèrent tous en adéquation avec les besoins parfois écrasants de leur rôle, les choeurs de Bayreuth ont toujours été d’un très bon niveau et l’orchestre brille de mille feux –ce ne fut pas toujours le cas dans la première moitié de la décennie du Neues Bayreuth-, sous la direction d’un Karajan encore jeune mais bénéficiant déjà d’une immense réputation dans la direction d’opéra. Si cette version est en effet une grande et belle version –et je l’aime beaucoup pour toutes ces raisons, malgré une prise de son parfois un peu précaire-, elle souffre cependant d’un défaut majeur : Otto Edelmann, solide et sonore, peut chanter avec force et vaillance le rôle écrasant de Hans Sachs, mais il n’en trouve malheureusement que rarement l’esprit à la fois paternel, bonhomme et sage, et son incarnation un peu terne –malgré une excellente diction– n’est donc que solide et sonore –deux qualités qu’on ne retrouvera cependant pas toujours dans la discographie…-.
Dans ma discothèque figurent quatre autres versions, dont trois sont hautement recommandables et une est très bonne. –cf. image ci-dessous-. La version d’Eugen Jochum–1– enregistrée sur le vif lors de la réouverture de l’opéra de Munich en décembre 1949 est au moins aussi essentielle que celle écoutée ce jour : prise de son très convenable, direction brillante et engagée, bons solistes et choeurs et, surtout le Hans Sachs de Hans Hotter, qui n’a jamais été égalé dans ce rôle : la voix est somptueuse et l’incarnation du personnage, entre autorité, renoncement et bonhommie, est magnifique –cf. extrait 3, à comparer avec l’extrait 2…-. La version que je place tout au sommet de mon Panthéon personnel.
En 1956, il rayonne encore, mais isolé au sein d’une distribution moins engageante à mes oreilles, dans la version d’un Cluytens–2– chef ici solide et carré, mais assez peu inspiré.
Les versions « modernes » de Kubelik–3– à Munich –1967– et de Karajan–4– à Dresde –1971-, sont également du plus haut interêt et s’avèrent les plus recommandables, à mes oreilles, de l’ère stéréo : bien dirigées et proposant des plateaux équilibrés et de qualité : la version stéréo idéale, selon moi, combinerait le plateau de Kubelik avec l’orchestre et la direction de Karajan à Dresde, mais on ne vit malheureusement pas dans un monde idéal…
Parmi mes beaux cadeaux d’entrée récente dans le monde des sexagénaires figuraient ces trois excellents LP que j’ai enfin eu le temps de déposer sur ma platine aujourd’hui ! Ils sont, chacun à sa manière, excellents et ne viendront pas déparer la petite discothèque de 33 tours ! –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
• Madness – Hit Parade – 2025 *****
Excellente compilation de titres parus durant la désormais longue carrière de Madness, entamée il y a 50 ans cette année sous le signe du ska et du rocksteady avant se diversifier. La pochette très vivement colorée annonce la bonne humeur entretenue tout au long de ces 15 chansons, dont je ne connaissais d’ailleurs qu’une partie. Une merveilleuse compilation pleine de joie et de fraicheur ! Belle présentation, commentaires intéressant sur l’origine de chaque chanson par l’un ou l’autre membre du groupe.
Le pressage hollandais est d’un silence absolument exemplaire : pas le plus petit craquement tout au long de l’écoute de ce disque !
• Fleetwood Mac – Rumours – 1977 *****
Inutile de présenter ce disque, l’une des plus grosse vente de l’histoire de la Pop-Rock Music –plus de 40 millions d’exemplaires vendus depuis sa sortie– et qui fit un énorme carton partout dans le monde en 1977. « Rumours » est régulièrement placé très haut dans les listes des « meilleurs albums ». Le disque est évidemment excellent et compte son lot de titres hyper-connus et efficaces, de « Go Your Owe Way » à « The Chain » en passant par « Don’t Stop ». Néanmoins, je persiste à préférer la période anglaise de Fleetwood Mac, comprise entre la fin des années 6 et le tout début des années 70.
Très belle réédition, avec notamment le double encart originel comprenant les paroles et un choix de photos du groupe en noir et blanc.
• The Cure – Seventeen Seconds – 1980 *****
Premier volume de ce qu’on a coutume d’appeler « la Trilogie Glacée » du groupe, alors constitué en quatuor avec un nouveau bassiste, Simon Gallup –désormais le membre le plus ancien du groupe après Robert Smith-, le claviste Matthew Hartley qui ne resta dans le groupe que quelques mois et Lol Tollhurst, batteur d’origine du groupe, renvoyé par Robert Smith en 1989, après avoir été remplacé à la batterie dès 1982… Ce disque est empbématique des prémices du « Rock Gothique », même si on ne saurait le restreindre à ce genre. Le contraste avec Madness est évidemment saisissant !
« Seventeen Seconds » un très beau disque –qui contient notamment « A Forest », titre du groupe présent lors de chaque concert-, que je préfère personnellement à son successeur « Faith » –contre l’avis quasi-général des fans du groupe-. Très belle réédition en LP, pressage 180 grammes silencieux.
Beethoven – Les intégrales de concertos pour piano
Depuis quelques semaines, je suis retourné plus fréquemment vers les 5 concertos pour piano de Beethoven, que j’avais quelque peu mis de côté ces dernières années. Il s’agit d’oeuvres que j’avais découvertes très jeune, lorsque j’étais encore un mélomane débutant : on m’avait offert, pour mes 8-10 ans, le coffret 33 tours de la toute première intégrale enregistrée par Alfred Brendel pour le label Turnabout à la fin des années 50, avec des orchestres de petite réputation et des chefs d’envergure encore moindre. Comme, à cette époque, je les ai beaucoup écoutés parce que je n’avais qu’une très petite collection de disques qui repassaient donc en boucle sur ma platine, j’en ai gardé essentiellement un amour immodéré pour le quatrième concerto et une bonne connaissance de tous les autres, même les deux premières, plus souvent négligés.
Ce dont je n’avais pas tout-à-fait conscience, en revanche, c’est du grand nombre d’intégrales qui abondent dans ma discothèque actuelle –sans même compter les versions individuelles hors-intégrale, notamment pour les deux derniers concertos– : je pensais en avoir beaucoup moins ! Le classement que j’en ai effectué, éminemment subjectif évidemment, correspond à mes préférences personnelles, sachant qu’il faudrait mettre beaucoup de mauvaise volonté pour rater ces concertos : toutes ces intégrales sont donc, au minimum, de bonne qualité, et certaines sont exceptionnelles !
Les trois versions HIP de ma discothèque sont repérées à part –à droite-, les sonorités d’un pianoforte permettent de changer un peu la perspective –et les équilibres– que l’on peut avoir de ces très belles oeuvres. La plus récente et la mieux enregistrée de ces trois versions est celle de Brautigam/Willems.
Les autres intégrales sont réparties en quatre catégories, selon un ordre décroissant de préférence –cette répartition est évidemment éminemment subjective et personnelle…– de gauche à droite. –Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
Pour faire bonne mesure, il manque en réalité deux intégrales sur ce diagramme : je les avais oubliées parce qu’elles font partie de coffrets anthologiques et sont rangées sur une autre étagère… –Cliquer sur les imagettes pour les voir en plus grand-.
Il s’agit de la remarquable intégrale –quasi introuvable sous cette forme actuellement malheureusement, mais on peut la reconstituer au gré des rééditions anthologiques consacrées au pianiste– qu’enregistra, durant les années 50, Emil Gilels pour la firme Melodiya, en URSS, avec l’orchestre de Leningrad sous la direction de Kurt Sanderling et l’orchestre de la radio de Moscou sous la direction de Kirill Kondrashin. Cette intégrale prend facilement pga ce dans la première colonne de gauche : Gilels y est encore dans ses années les plus virtuoses, d’une assurance technique prodigieuse, et les deux chefs sont de merveilleux accompagnateurs, même si les orchestres sont d’une verdeur typiquement soviétique et que les prises de son ne valent pas celles que l’on réalisait à la même époque en Occident.
L’autre intégrale oubliée est celle réalisée par Glenn Gould pour CBS entre 1957 et 1961 avec différents chefs –très bien rééditée par Sony-, que je classerais dans la troisième colonne. Le pianiste s’y montre moins iconoclaste dans les trois premiers concertos pour piano que dans d’autres oeuvres, et si le quatrième concerto avec Leonard Bernstein est un ratage complet à mes oreilles, l’impérial cinquième, en revanche, accompagné par Leopold Stokowski, est une réussite totale.
En définitive, si vous trouvez encore le coffret Gilels publié en son temps par EMI France et cité en tout premier -il a enregistré cinq intégrales et de multiples versions live sont disponibles pour l’un ou l’autre concerto et reste le pianiste qui interprète le plus souvent ces concertos au vingtième siècle-, vous pouvez vous jeter dessus, vous y gagnerez en prime une excellente version du concerto pour violon et une belle version du triple concerto pour violon, violoncelle et piano. La meilleure alternative à ce pianiste est, à mes oreilles, constituée par le pianiste Evgeny Sudbin, très bien accompagné par Osmo Vänskä et dont l’intégrale en trois disques séparés est superbement enregistrée chez BIS. Les deux meilleurs orchestres sont ceux de Dresde -Arrau/Davis- et d’Amsterdam -Perahia/Haitink-, dans deux intégrales des années 80 qui firent date à leur sortie et restent superbes.
A ce stade du dépouillement, ce n’est plus une simple vague, mais un tsunami bleu qui s’est répandu à travers les États-Unis d’Amérique ! MAGA s’est transformé en VETO…
Près du campus universitaire, l’avenue qui abrite les rails du tramway de la ligne qui relie les quartiers sud de Strasbourg au centre-ville, et jusqu’à la gare est bordée d’arbres qui viennent d’être taillés selon une coupe « au carré » qui ne les avantage pas vraiment, même si l’alignement quasi-parfait qui en résulte est tout-à-fait surprenant ! J’imagine que cette coupe d’hiver était rendue nécessaire à cause des lignes électriques du tramway…
Mais quand même, si j’étais un arbre, je changerais de coiffeur !
La playlist de ce jour est consacrée à trois concertos pour piano parmi les plus célèbres du répertoire dans des interprétations qui ont, de tout temps, été sujettes à controverses, plus encore en France que dans d’autres pays dont j’ai pu retrouver quelques échos.
Pourtant, la collaboration entre ces deux artistes qui s’estimaient et s’admiraient réciproquement s’est révélée relativement fructueuse quantitativement parlant, puisqu’Alexis Weissenberg est sans doute le pianiste avec lequel Herbert von Karajan a le plus enregistré dans le domaine du concerto pour piano et leur legs discographique est désormais reconsidéré plus positivement auprès des musicographes actuels -même, mais dans une moindre mesure, en France- au gré des rééditions. -Cliquer sur l’image pour la voir en plus grand-.
• Piotr I. Tchaïkovsky – Concerto pour piano n°1
Alexis Weissenberg, piano – Orchestre de Paris, Herbert von Karajan – 1971 ***
Ce disque m’est cher non pour son contenu, mais parce qu’il s’agit du tout premier disque qui me fut offert pour mon sixième anniversaire. J’avais entendu à la radio ce concerto et j’en chantais continuellement, paraît-il, sa très célèbre introduction, au risque de l’agacement paternel qui n’appréciait guère Tchaïkovsky ! Karajan a enregistré l’oeuvre quatre fois, cette version parisienne n’est ni pire ni meilleure que ses autres versions dans sa conception. Le tout jeune orchestre de Paris dont il était alors «conseiller musical spécial» depuis 1969, charge dont il devait vite se débarrasser l’année suivante, notamment parce qu’il jugeait les musiciens de l’orchestre plutôt désinvoltes et parce que les engagements de recrutement promis par le ministère de la culture lors de la signature de son contrat ne furent pas tenus, n’est cependant pas à cette date le plus exceptionnel des orchestres –son successeur, Sir Georg Solti, se cassa les dents pour les mêmes raisons et rendit bien vite sa baguette également…-. Alexis Weissenberg, pianiste très apprécié du chef autrichien, joue une partition tout en muscle, mais les deux musiciens semblent avoir renoncé à jouer la même partition.
• Sergei Rachmaninov – Concerto pour piano n°2
Alexis Weissenberg, piano – Orch. Philh. de Berlin, Herbert von Karajan – 1973 ****
Deux ans plus tard, à Berlin, chef et pianiste évitent, a contrario et de manière surprenante, tout enlisement dans le deuxième concerto pour piano de Rachmaninov. C’est une très belle version de ce concerto qui est offerte, avec un orchestre voluptueux –la partition se prête admirablement à ce traitement– mais qui ne sombre jamais dans le sirupeux et un pianiste à la virtuosité très expressive. Un très bel album ! L’enregistrement est l’un des tout premiers réalisé en quadriphonie –et remastérisé en CD en stéréo-, une technique qui ne perdura pas et qui n’enrichit que les marchands de canapé !
• Johannes Brahms – Concerto pour piano n°1
Alexis Weissenberg, piano – Orch. Philh. de Londres, Carlo Maria Gilulini, 1973 ****
Tout au long des années 70, Alexis Weissenberg, rescapé d’un camp de concentration où il fut emprisonné durant quelques mois, encore enfant, pendant la seconde guerre mondiale, fut un pianiste extrêmement populaire en France –à tel point qu’il se fit naturaliser français-, largement popularisé par ses passages télévisés dans « Le grand échiquier », émission qui contribua à populariser la musique classique auprès d’un large public. Le premier concerto pour piano de Brahms avec le chef italien Carlo Maria Giulini fait partie de ses meilleurs disques concertants. A mes oreilles, le chef est meilleur ici que dans son célèbre enregistrement avec Claudio Arrau, pourtant bien plus largement réédité, et ce concerto à la virtuosité exigeante convient parfaitement au jeu du pianiste. Une belle réussite !
Entre balades post-estivales, soirées gastronomiques et autres expériences culinaires, week-end festifs et tournée des cimetières -novembre oblige-, j’ai été bien occupé ces dernières semaines, mais j’ai tout de même trouvé de quoi vous proposer une nouvelle surprise mensuelle, d’autant plus précieuse qu’elle est très rare ! A vous de la découvrir… C’est ici que vous la trouverez.
Comme toujours, la surprise du mois précédent est désormais caduque et retirée de son serveur.
